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6 avril 2012 5 06 /04 /avril /2012 18:58

 

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Dix huit millions de dollars. Trois cents techniciens. Soixante semaines de travail. Rien n'est trop beau pour Titanic, le film multi-oscarisé de James Cameron que le réalisateur a tenu à convertir en 3D pour nous faire revivre la même émotion quinze ans après sa première sortie en salles. Alors que le cinéaste vient tout juste de devenir le premier homme à explorer en solo le site maritime le plus profond du Pacifique connu à ce jour, la magie de son long-métrage paraît intacte. Après l'échec de Star Wars : Episode I - La Menace fantôme, Titanic 3D parviendra-t-il à faire taire les détracteurs de la technologie revenue à la mode depuis Avatar ?

 

 

 

 

"Voilà un film que l'on connaît et que l'on aime, mais que l'on va voir d'un oeil neuf, avec une nouvelle sensation de profondeur. Espérons que cela fera revenir les spectateurs dans les salles." Voilà en substance le message de James Cameron adressé à tous les fans de Titanic et à tous ceux qui découvriront l'oeuvre pour la première fois. Contrairement à George Lucas, le créateur de Terminator et Abyss a eu les moyens de son ambition...

 

 

 

 

"Titanic 3D : le film où chaque plan devient un effet visuel"

 

 C'est tout d'abord la clarté du film qui interpelle. Malgré les lunettes, l'équilibre de la palette colorimétrique et l'éclat général ne sont jamais pris en défaut par cette conversion hors normes, bien loin de la pâle copie du premier volet Jedi. La direction photographique de Russell Carpenter ne semble donc pas altérée après le passage du procédé 3D. On redécouvre Titanic avec la pleine mesure de ses partis pris esthétiques, de sa lumière impressionniste à ses clairs-obscurs terrifiants. Les puristes et autres fans de la première heure seront donc ravis de retrouver l'atmosphère et le charme du film originel, avec son affinage du grain et des contours qui rendrait jaloux un bon nombre de "nettoyage" pour la haute définition actuelle.

La conversion 3D de TItanic impressionne surtout par sa capacité à sublimer chaque détail. L'image sans relief de l'oeuvre première acquiert une profondeur magnifiquement fabriquée par l'équipe de James Cameron. Il faut dire que la mise en scène du cinéaste, riche d'arrière-plans denses et souvent en mouvement, convient parfaitement à l'effet de modelage de chaque élément du plan. Les scènes de dîner dans les décors luxueux et du naufrage du paquebot à la verticale justifient à elles seules de revoir le film. L'équilibre de profondeur trouvé lors de ses séquences est bluffant de justesse, entre le passage des serveurs dans la salle ou la chute des passagers dans le vide. Pour James Cameron, il ne suffit pas de donner du volume : il faut doser chaque déplacement d'objets dans le plan pour trouver la juste harmonie. C'est pour cela que Titanic 3D évite tout effet tape à l'oeil et honore chaque plan comme un effet visuel à part entière.

Enfin, au-delà de l'aspect purement technique, la construction rythmique de Titanic reste un modèle d'écriture et de narration. En plus d'être un génie des nouvelles technologies liées à l'image, James Cameron est un des meilleurs conteurs de l'histoire du cinéma. Un artiste qui a suffisamment de respect pour le public pour lui raconter une nouvelle fois ce récit intemporel avec des nouveaux moyens de communication qui subliment un peu plus son oeuvre. A revoir sans hésiter dans les salles le 4 avril.

in Excessif.

 

 

 


 


Pauline C. est allée voir Titanic 3D… et elle vous explique POURQUOI il faut aller voir ce film revival au cinéma, là maintenant, tout de suite.

 

"Énorme pompe à fric ou révolution technologique : au sujet de Titanic 3D, les avis divergent. Et dix verges,… bref. J’en vois parmi vous qui hésitent, qui tournicotent, qui s’interrogent, qui se triturent les méninges, prêtes à demander conseil à un ami, à un collègue ou à un banquier (oui, le cinéma aujourd’hui, c’est du luxe mon bon monsieur), à l’affût du moindre signe du destin qui répondrait à la question qui vous taraude : « bon, j’y vais ou pas ? » N’attendez pas l’intervention divine, je vais vous expliquer, moi…

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La première chose à dire c’est que même en 3D ils ont pas été foutu de voir l’iceberg. C’est dommage, ça aurait sans doute évité à une nouvelle génération de midinettes quinze ans de thérapie à cause d’un adolescent aux cheveux gras et à la coupe ringarde. Non, réellement, la coupe au bol, même à la fin des années 90 c’était complètement out. Bon, après, on leur pardonne, c’est vrai que Titanic sans l’Iceberg, ça n’a pas vraiment d’intérêt. Et puis, entre nous, la 3D apporte pas vraiment grand-chose sauf dans quelques scènes où elle magnifie la profondeur du champ, du coup, on pardonne doublement à Captain Igloo d’être rentré dans un bout de banquise.

 

Une 3D pas vraiment convaincante, néanmoins à la hauteur de celle utilisée dans des films récents et qui est plus que satisfaisante dans certaines séquences, notamment à la fin où l’impression de nager parmi les cadavres congelés est bien présente. Et pour le coup, le plus, c’est qu’on apprécie la prouesse technique. Rappelons quand-même qu’à l’origine, les scènes n’ont pas été filmées avec les caméras que l’on utilise de nos jours pour faire de la 3D les doigts dans le nez et que l’effet a été rajouté en post-prod de façon numérique. Un travail de précision qui a rassemblé 300 experts et 18 millions d’euros pendant plus d’un an.

 

Pour celles nées avant 1990 qui ont connu toute l’effervescence de Titanic à sa sortie, sachez que c’est toujours le même film, quinze ans après. Cela dit en quinze ans, les choses ont changé. Le temps a passé, les gens ont évolué. Nous en premier. A l’image de Britney Spears qui a eu le temps, pendant cette décennie et demi, de sombrer jusqu’au plus profond des abysses du star system et de remonter jusqu’à la lumière des projecteurs, on a fait notre petit chemin dans le cycle de la vie, tout ça. On a grandi, on a découvert des choses.

titanic-both-embraceable.jpg

 

 

 

 

Aller voir Titanic 3D c’est un peu donner rendez-vous à son passé, lui jeter un regard attendri et se rendre compte qu’au fond, il est toujours partie inhérente de nous. Je dis pas ça parce que mon but dans la vie est toujours d’épouser Leonardo Di Caprio quand il était jeune. Mauvaise langue.

 

Mais assez discuté, maintenant, il est temps de sortir des arguments percutants. À la question « pourquoi faut-il aller voir Titanic en 3D ? » je vous sers deux réponses.

 

1. Parce que Jack Dawson sur grand écran.

2. Parce que Jack Dawson sur grand écran, en 3D.

 

Pour celles qui sont nées après 1990, je vais accompagner ces arguments percutants d’images percutantes :

 

Pourquoi faut il aller voir Titanic 3D ? jack dawson1

 

Et puis :

 

Pourquoi faut il aller voir Titanic 3D ? jack dawson2

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À imaginer sur presque toute la largeur de votre champ de vision.

 

Voilà. Je sais pas vous, mais j’ai comme une envie d’acheter des tonnes de magazines et de les feuilleter à l’affût de jolies images de ces mirettes pour en couvrir les murs de ma chambre.

 

En fait pas exactement, James Cameron a fait en sorte de changer une image qui montre la voute céleste lors du naufrage, les étoiles n’étaient pas dans la bonne disposition".

in Mad'moizelle.com

 

 

titanic-bandeau.jpg


 


Tout le monde connaît la tragique histoire du Titanic, ce superbe transatlantique, magnifique paquebot, prestige du savoir-faire  britannique,  prodige des dernières techniques les plus modernes, cet "insubmersible, que même Dieu ne pourrait faire couler" et... qui devint le plus célèbre naufrage de l'Histoire.

 

Titanic before departure Southampton

 

 

Titanic, Southampton, 48 hours before departure! Au tout début du XXème siècle, seules des monarchies, l'Allemagne et la Grande-Bretagne,  sont capables de concevoir et construire des paquebots aussi modernes.

La IIIème République française, bourgeoise,mesquine et revancharde devra attendre...

 

Titanic_rudder_before_launch.jpg

 

titanic_fr.svg.png


Et tout le monde connaît le film de James Cameron (1998), le plus grand succès du cinéma en France. Mais personne ne l'avait vu en relief: c'est presque un nouveau film!

James Cameron est, parmi les cinéastes, le plus grand passionné de relief. Il a contribué à l'élaboration de la caméra révolutionnaire avec laquelle il a tourné Avatar. Faute de pouvoir refaire Titanic ainsi-d'autant que les acteurs n'ont plus leur merveilleuse jeunesse d'il y a quinze ans!-, le projet est né de transformer le film original en film en relief.

La technique existait déjà, mais appliquée d'habitude mécaniquement, en laissant tourner les logiciels, pour un résultat décevant. La nouveauté, ici, est que le maître d'oeuvre de l'op"ération est le réalisateur du film lui-même, qui a  exercé l'oeil du maître sur chaque détail ("Comment faire avec ces fleurs du premier plan qui, en 3D, vont attirer le regard au détriment des spectateurs?).

295 000 images ont ainsi été passées à la loupe: " Habituellement, explique Mike Hedayati, l'un des deux superviseurs, un artiste travaille deux jours sur un plan. Sur Titanic,, c'était de deux à trois semaines". 300 personnes ont collaboré pendant un an sur ce projet, dont le coût équivaut à celui d'une grande production européenne!

Cameron qui est un homme profond (il est descendu le 25 mars en bathiscaphe au point le plus bas des océans!), donne des raisons profondes de ce projet:" Proposer le film dans son nouveau format pour le centenaire du naufrage (14 avril 1912) faisait sens pour moi".

Convaincu qu'un film  est fait pour le grand écran, il se dit  "excessivement heureux que Titanic revienne dans les salles, là où[ ...] toutes les émotions les plus profondes peuvent être partagées par tous les gens réunis au même moment".

Vous n'avez jamais vu Titanic aussi beau; si comme moi vous aimez le cinéma grand, très grand spectacle, vous allez découvrir que c'est un chef-d'oeuvre du 7ème Art!

 

titanic-embarking.jpg

 

 

Quelques petits anachronismes sont, sans vouloir être mesquin, à relever:

 

Jack prétend avoir patiné sur le lac de Wissota. Or ce lac artificiel n'a été créé que quelques années après 1912.

La pièce que Rose donne à Jack quand il s'apprête à la dessiner porte le profil de Franklin Delanoe Roosevelt, président américain de 1933 à 1945.

Cependant, Titanic mérita les meilleurs récompenses:

 

Oscars 23 mars 1998


 

Titanic totalisa quatorze nominations, ex-aequo avec Eve de Joseph L. Mankiewicz (1950), et récolta onze Oscars, égalant ainsi le record détenu par Ben-Hur (1959, William Wyler). Il remporta les statuettes du Meilleur Film, Meilleur Réalisateur, Meilleure Musique, Meilleure Chanson, Meilleure Photographie, Meilleur Montage, Meilleurs Costumes, Meilleurs Décors, Meilleurs Effets Spéciaux, Meilleur Son et Meilleur Montage Sonore.

A l'inverse de Kate Winslet, Leonardo DiCaprio ne fut même pas nommé -quelle injustice car il crève l'écran, par sa jolie gueule mais aussi et surtout par son talent!-.


A night to remember...


Comme en littérature, un film, et même un chef-d'oeuvre n'est pas créé "ex-nihilo", mais est le fruit d'une histoire du 7ème Art:

 

Plusieurs scènes du film sont très proches de certaines tournées en 1958 par Roy Ward Baker pour son film A Night to Remember. Parmi elles, la scène où Thomas Andrews déclare à Bruce Ismay que le bateau coulera "c'est une certitude mathématique", Thomas Andrews prévenant un passager dans le Grand Escalier que le paquebot va couler (dans Titanic il s'agit de Rose), Thomas Andrews encore regardant désespéré la peinture du Titanic, le groupe de musiciens se séparant puis se reformant après que l'un d'entre eux se soit mis à jouer Plus près de toi mon Dieu et le plan sur Bruce Ismay alors que le Titanic sombre en arrière plan.

 

 


 


Sauvés des eaux!Oui, mais selon la classe...

 


 

705 passagers sur 2243 furent sauvés. Survécurent 60% des 1ère classe, 44% des 2ème et 25% des 3ème. Tout comme les canots, il n'y avait pas non plus assez de gilets de sauvetage qui étaient au nombre de 1178.

Titanic_orchetra.jpg

 

 

Les musiciens de l'orchestre du Titanic qui jouèrent jusqu'à la fin du naufrage afin de "dédramatiser" la situation à laquelle personne n'avait osé penser...

 

 


Conte irlandais

C'est souvent dans les moments clés de notre existence et surtout au moment de la mort, que nos racines les plus profondes resurgissent, prouvant leur sens le plus profond dans nos existences.

Ainsi, dans l'histoire qu'elle raconte à ses deux enfants alors qu'ils sont cernés par les eaux, une mère évoque le pays de Tir na nog qui est dans le folklore irlandais le pays de la jeunesse et de la beauté éternelle.

Témoignage

 

James Cameron se servit des nombreux témoignages rapportés par les survivants pour illustrer son propos. Parmi eux la phrase qu'a dite un père à ses deux filles embarquées sur un canot : "On se dit au revoir pour un petit moment... juste un petit moment".

 

Les merveilleux dessins de Jack...

 

Tous les dessins de Jack ont été dessinés par James Cameron. Ce sont d'ailleurs ses mains que l'on voit en train de dessiner Rose. Cette scène fut la première que James Cameron donna à jouer à ses deux interprètes afin de briser la glace entre eux. Il voulait de même toucher au plus près l'émotion que Jack pouvait ressentir devant Rose dénudée. Il y réussit si bien que Leonardo DiCaprio se trompa dans son texte et dit "Allongez-vous sur le lit... je veux dire, le sofa". C'est la prise que l'on voit dans le film.


L'enfant à la toupie qui tourne, comme la vie...

 

La scène où l'on voit un enfant jouer à la toupie avec son père a été tournée d'après une image prise par un photographe descendu lors de l'escale en Irlande. Le père et l'enfant en question survécurent au naufrage, mais l'enfant mourut quelques années plus tard dans un accident de voiture.

 


Kate, Leo et le scénario: des idées géniales survenues sur le moment!

 

James Cameron laissa Leonardo DiCaprio et Kate Winslet improviser la scène où Rose remercie Jack : "C'est une scène très complexe. Nous avons passé deux ou trois jours à improviser, à travailler sur cette scène par tous les bouts avant que je la reécrive en prenant en compte leur contribution." (Première n°250).

Le réalisateur crédite aussi son actrice de sa réplique "Jack, c'est ici qu'on s'est rencontrés", qu'elle prononce peu avant le naufrage final. Elle suggéra également de cracher au visage de Cal plutôt que de le piquer avec son épingle à cheveux.

 


Une suite royale pour un naufrage: so chic!

Titanic-first-class-reception-room2.jpgSalon 1ère classe

 

 

 

 


 

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La suite B52, 54 et 56 réservée par Cal existait vraiment. Elle avait été louée en réalité par un milliardaire new-yorkais nommé J. P. Morgan qui annula peu de temps avant le départ. C'est le patron de la White Star Line Bruce Ismay (interprété dans le film par Jonathan Hyde), qui l'occupa finalement.

 

 

 

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Le grand escalier du Titanic, définitivement perdu, fut copié sur celui de l'Olympic (ci-dessus)

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"Le Café parisien"

 

 

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La salle de Gym

 

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Les chiens du Titanic: la Poméranie est plus forte!

 

Le loulou de Poméranie que possède Rose âgée, était la race d'un des trois chiens qui survécurent à la catastrophe. L'une des scènes coupées montrait comment un passager délivra les animaux du chenil alors que le bateau coulait.


Les bonnes manières

 

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Les acteurs et les figurants suivirent des cours tenus par Lynne Hockney (qui est aussi le chorégraphe du film) pour apprendre à se comporter comme en 1912. Hockney produisit également une cassette vidéo intitulée Titanic Etiquette : A Time Traveler's Guide et diffusée sans arrêt durant le tournage au département costumes.

 

 

My heart will go on

 


 

 

James Cameron ne voulait pas de chanson. Mais James Horner était certain de son fait avec le titre My heart will go on, écrit par Will Jennings sur le thème principal. Il enregistra donc en secret une maquette avec Céline Dion qui conquit finalement le réalisateur. La chanson remporta l'Oscar et reste à ce jour le single le plus vendu au monde.

Le choix du compositeur s'avéra problématique: James Cameron voulait d'abord Enya pour composer la bande originale, mais elle déclina la proposition. Se tournant finalement vers James Horner, c'est le compositeur lui-même qui décida d'écrire dans le style de la chanteuse irlandaise. Enya composa entre autres les chansons de Horizons lointains (1992, Ron Howard) et du Seigneur des anneaux : la communauté de l'anneau (2001, Peter Jackson).


Comme un écho du passé...

 

L'acteur Bernard Fox, qui joue le rôle du colonel Archibald Gracie dans Titanic, était Frederick Fleet dans A Night to Remember (1958, Roy Ward Baker). Il n'avait pas été crédité au générique. David Warner (Lovejoy dans le film) avait déjà été à bord du fameux paquebot à l'occasion du téléfilm SOS Titanic (1979).

Gloria Stuart commença sa carrière en 1932 dans Tête brûlée de John Ford et joua notamment dans L' Homme invisible (1933, James Whale). Au cours du film, Rose se traite elle-même de "pauvre petite fille riche". Pauvre petite fille (1936, Irving Cummings) est également le titre d'un film avec Gloria Stuart.


Le casting idéal n'est pas toujours celui auquel on avait pensé...

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Pour le rôle de Leonardo DiCaprio dans Titanic, James Cameron pensa d'abord à Matthew McConaughey et Chris O'Donnell. Mais ils les trouvaient trop vieux pour incarner Jack qui est âgé de 20 ans. Même préoccupation pour Rose qui a 17 ans dans le film. Avant de céder aux insistances de Kate Winslet qui était certaine de tenir le rôle de sa vie, James Cameron avait envisagé d'engager Gwyneth Paltrow, Claire Danes ou encore Gabrielle Anwar. Michael Biehn faillit jouer le rôle de Cal. Habitué du réalisateur, il avait joué dans Terminator (1984) et Terminator 2 (1991), Aliens (1986) et Abyss (1989).

 

Un vrai Dawson

 

Après avoir trouvé le nom de ses personnages, James Cameron découvrit un J. Dawson (James Dawson) parmi le personnel d'ingénierie tué dans le naufrage. Il est enterré à Halifax en Nouvelle Ecosse.


La durée du tournage et un budget titanesque

 

Le tournage a duré 160 jours étalés sur huit mois de juillet 1996 à mars 1997. A la fin, James Cameron avait de quoi projeter douze jours non-stop de pellicule.


 

 

Au vu des proportions prises par le budget, James Cameron renonça à son salaire (qui s'élevait à 8 millions de $) ainsi qu'à son pourcentage sur les recettes. Mais il se rattrapa largement grâce à ses revenus de producteur ! La Paramount paya 65 milllions de $ sur les 200 que coûta le film mais refusa d'en assumer les dépassements que la Fox prit finalement en charge. La campagne publicitaire coûta à elle-seule 80 millions de $ et les effets spéciaux 30 millions.

Dans la salle des machines

 

On n'a construit qu'une moitié de la salle des machines et reflété le reste dans des miroirs.

 


Le souci du détail

 

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Le salon de lecture

 

 

Les objets du décor furent minutieusement reconstitués au plus près de la réalité, et parfois même par les compagnies d'origine qui fournirent le Titanic, comme pour la moquette et les canots de sauvetage. James Cameron a également travaillé à partir du livre de Ken Marshall et Don Lynch Titanic : an illustrated history, sorti en 1992. Les deux spécialistes ont d'ailleurs participé au travail de reconstitution.

 


Le départ inversé

 

 

Titanic-10-avril-1912.jpg 

 

"Vanité des vanités, tout est vanité!".

 

 

Réputé insubmersible, le Titanic fut une merveille de luxe et de technologie. Il concentre à son bord un échantillon du type de société et de civilisation occidentales de l'époque: industrialisation, apogée d'une bourgeoisie d'affaire omnipotente, montée d'une classe ouvrière de plus en plus militante, début du déclin de la religion chrétienne au profit d'une foi totale et aveugle dans les progrés technologiques. Désormais, l'homme croit se sauver par les arts et la technologie: Dieu est mort!

L'industrie de guerre et la vanité des élites conjuguées aux nationalismes exacerbés conduiront à la déflagration d'août 1914 et au suicide collectif de l'Europe: désormais, ce sont les Etats-Unis d'Amérique qui domineront le monde...

 

Lors du départ de Southampton, le Titanic a  été accosté à bâbord. Mais le bateau fut seulement reconstitué à tribord. C'est en inversant la pellicule que James Cameron donne à l'écran l'illusion du côté droit. Cela impliqua au moment du tournage d'avoir brodé les inscriptions sur les casquettes, ou encore d'avoir peint les enseignes, à l'envers. Quelques erreurs permettent de s'en rendre compte. Par exemple, lors de l'ouverture en noir et blanc, la manivelle de l'appareil du cameraman est à gauche, alors qu'elles étaient toutes à droite à l'époque.

 

Les effets spéciaux furent produits par Digital Domain, les mêmes studios qui ressuscitèrent les dinosaures de Jurassic Park (1993, Steven Spielberg). Ils travaillèrent notamment les plans où le Titanic se brise en deux et les plans d'ensemble du bateau, générant par ordinateur océan, fumées de cheminée et personnages.

 


La renaissance du Titanic

 

Titanic-ship-in-the-night.jpg

 

La construction du décor débuta à Rosarito Beach au Mexique le 31 mai 1996 (soit 85 ans jour pour jour après la mise à la mer du paquebot) et nécessita trois mois de travail.

Pour des raisons essentiellement économiques, le bateau, les canots, les fenêtres furent réalisés à 90% de leur taille originelle. Le plateau, construit dans un bassin sur vérins hydrauliques pouvant contenir 65 millions de litres d'eau, faisait notamment face au vent pour que la fumée ou les cheveux des personnages aillent dans le bon sens. Une grue de 55m devait permettre à James Cameron de réaliser ses impossibles travellings le long de la coque. Différentes maquettes sont venues compléter l'ouvrage principal.

Lorsque, dans les premiers temps de la préparation, James Cameron partit faire des prises de vues d'icebergs en Nouvelle Ecosse, il prétendit travailler sur un projet appelé Planet Ice.

 

 

titanic.jpg

Les plans de l'épave

 

Lorsque James Cameron entama ses plongées dans l'Atlantique en septembre 1995, il trouva l'expérience de voir l'épave du Titanic tellement forte émotionnellement qu'il décida d'inclure de véritables vues dans son projet. Mais il ne voulait pas se contenter de filmer la carcasse de l'intérieur d'un sous-marin, comme il avait été fait pour le documentaire d'IMAX Titanica (1992). Mike Cameron, le frère de James, développa donc avec Panavision une caméra capable de supporter la pression existante à près de 4000m de profondeur, soit 2000kg au cm². La caméra ne pouvait contenir que des bobines de douze minutes et chaque plongée prenait deux heures. Douze plongées eurent lieu en tout, et les deux dernières servirent à envoyer la caméra, installée dans un mini sous-marin télécommandé, à l'intérieur même de l'épave. Un décor sur plateau immergé fut construit pour compléter les prises de vues.

 


Comment l'idée vint à Cameron

 

"Quand j'ai fait des recherches pour Abyss (1989), j'ai été fasciné par la technologie utilisée pour explorer l'épave du Titanic. J'aimais beaucoup A Night to Remember (1958, Roy Ward Baker) et Titanic (1953, Jean Negulesco), mais je me suis demandé si on ne pourrait pas intégrer dans un film ce qu'on sait maintenant de ce qui s'est passé cette nuit-là et créer une histoire qui ferait des allers et retours entre présent et passé. J'avais aussi envie de raconter une histoire d'amour. J'avais essayé dans Abyss, mais sans faire passer l'histoire d'amour avant le récit de science-fiction. Quand ces deux idées se sont combinées, tout m'a semblé se mettre en place." Première n°250

 


Le roi du box-office

 

Titanic fut un véritable raz-de-marée lors de sa sortie en battant les records d'entrées dans plus de 50 pays, et règne encore à ce jour en tête du box-office mondial avec plus de 1,835 milliard de $ de recettes. Il fut le premier film à dépasser la barre du milliard de $. Il est actuellement le n°1 en France avec plus de 20 millions d'entrées, n°1 aux Etats-Unis avec plus de 600 millions de $ et n°1 en Grande-Bretagne avec près de 69 millions de £.

 

Anecdotes lues sur Allociné.

 

 

 

Angleterre Armoiries Tudor

 

 

 

Armoiries-GB.JPG

 

Lion et roses des Tudors

 

 

 

 

Armoiries de Grande- Bretagne

 

 

 

Armoiries Prusse

Aigle impérial de Prusse

 

Allemagne Guillaume II kaiser

 

L'Empereur Guillaume II; durant son règne (1888-1918), l'Allemagne devint une puissance industrielle majeure en Europe dotée de lois à la pointe du progrés social et devançant même la République française.

Allemagne Industrie schichau-werft1

Chantier naval allemand; 1900.

Usine Krupp (ci-dessous).

 

 

Allemagne Industrie usine Krupp 1900

 

Armoiries-Richthofen-copie-1.jpg

Armoiries de la famille von Richthofen (le baron rouge)

 

  Allemagne manfred & buddies

Manfred von Richthofen & buddies:l'exemple type de l'aristocrate prussien qui n'a pas honte de ses origines ni jeté son esprit chevalresque aux orties.

 

 

allemagne Berlin 1900

 

Berlin, 1900.

Armoiries Russie-copie-1

 

 

Aigles impériaux de Russie

 

 

UNE EUROPE MONARCHIQUE

 

 

Russie Nicolas II

 

Nicolas II Alexandrovitch, tsar de Russie(1894-1917); avec l'aide de son Premier ministre Stolypine, il modernisa la Russie qui devint une puissance de premier plan en Europe sur le point de devancer les Etats-Unis.

 

Russie Archi duchesses

 

Les archiduchesses de Russie: d'une beauté solaire, très cultivée, la famille impériale russe sera massacrée par la barbarie communiste sur ordre de Lénine en juillet 1918.

 

Russie avec cousins anglais

Avec un cousin anglais...

 

Russie Famille impériale

En famille...

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Le tsarevitch Aleksei

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Russie coeur russe brodé-copie-1

 

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Princesse Zinaida Yusopova


 

 

 

 

 

Armoiries-RoyaumeUniArm.JPG

 

 

Surprise ! Avant 1914, l’Europe la plus moderne est faite de monarchies soutenues par des aristocraties dynamiques.


george 5 mary

Le roi Edouard VII et la reine Mary

 

 

 

Londres, 20 mai 1910.

 


Ils sont tous venus, pour enterrer Edouard VII. Celui qui fut si longtemps Prince de Galles, le prince des plaisirs de la vie parisienne n’aura régné que neuf ans, assez pour être l’instigateur de l’Entente Cordiale en 1904.

Deux millions de personnes sont sur les trottoirs de la capitale de l’Empire britannique dont neuf rois ; au premier rang, son neveu Guillaume II, l’Empereur d’Allemagne. Toutes les têtes couronnées d’Europe qui n’ont pu ou n’ont pas voulu venir sont représentées au plus haut niveau : le tsar a envoyé son frère Michel et l’Empereur d’Autriche son héritier, François-Ferdinand dont l’assassinat, quatre ans plus tard, déclenchera l’effroyable Première Guerre Mondiale. Très loin derrière, comme venant d’une autre planète en formation, le représentant des Etats-Unis, l’ancien président Théodore Roosevelt ; le protocole lui fait partager avec le ministre des Affaires étrangères français, qui représente ici la République, la huitième voiture seulement, juste derrière le prince chinois Tsai Tao, mais à plusieurs rangs des princes et ducs représentent la Hollande, la Suède ou encore le Japon.

 

 

Armoiries Victoria Angleterre

Armoiries de la reine Victoria


Et pourtant, nous sommes ici dans la moins autocratique des monarchies. C’est une fête de familles en quelque sorte, un de ces évènements hautement symboliques et rituels qui viennent jalonner l’union toujours mystérieuse d’un peuple et de celui qui le conduit.

On aurait pu citer d’autres cérémonies du même ordre, on aurait eu à peu de choses prés, les mêmes rôles principaux, tous nobles, et les mêmes figurants roturiers. Jubilés, couronnements, mariages…Dans toutes ces cérémonies, les manteaux et les chapeaux melons des officiels français ou des représentants des rares démocraties ont l’air plus mesquins que modernes à côté des casques d’apparat et des grands uniformes couverts de décoration.

Ils sont surtout bien solitaires, en ces années qui précèdent 1914, car cette visibilité chamarrée de la noblesse recouvre une aveuglante réalité : à l’exception notable de la France, plus d’un siècle après la Révolution française, l’Europe tout entière apparaît comme un vaste monde n’ayant pas eu nullement besoin de rompre avec l’Ancien Régime pour entrer avec vigueur dans la modernité.

 

Russie banc-art-russe jeune fille sur un banc


Certes, de l’autocratisme russe à la monarchie anglaise, il y a plus que des nuances…

Mais il est intéressant d’y regarder de plus prés : contrairement à la propagande soviétique longtemps en vigueur, y compris en France, la Russie des tsars est, en 1914, loin d’être aussi arriérée qu’on ne le croit ; à la veille de la Grande Guerre, la Russie n’est ni dramatiquement en retard, ni soumise à un régime totalitaire. C’est une puissance montante dans tous les domaines et en plein essor ! Démographique d’abord, qui occupe –déjà- la 5ème place dans le monde pour la production économique et…la toute première pour le développement industriel, battant tous les records mondiaux avec une croissance moyenne de 10%/an entre 1898 et 1914!

 

 

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Autre paysage en Grande-Bretagne : la seconde révolution de 1688 a chassé l’autocratie avec les Stuart et proclamé le caractère constitutionnel de la monarchie. La nouvelle génération qui accède aux affaires et va dominer la vie politique anglaise pendant une vingtaine d’années au tournant du siècle, sous la direction des conservateurs et des libéraux unionistes, a pour chefs des membres éminents de l’aristocratie : Lord Salisbury, puis son neveu Arthur Balfour, ou encore Lord Randolph Churchill (le père de Winston). Ce dernier a épousé une riche américaine, bien représentatif en cela d’une aristocratie dont les grands domaines ne rapportent plus autant qu’ils coûtent et qui doit désormais, pour maintenir ses revenus et son rang, prendre des participations industrielles et bancaires et se montrer accueillante aux hommes d’affaires, vite anoblis à leur tour afin de légitimer leur conversion, contribuant ainsi à faire de la Chambre des Lords la forteresse des grandes affaires.

 

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Les deux jubilés de la reine Victoria ont été les manifestations triomphales de la puissance anglaise. Le loyalisme populaire rejoint le nationalisme et trouve sa pleine expression dans l’œuvre de Kipling. Pourtant, si la flotte commerciale anglaise reste bien la première du monde et permet au royaume, avec le revenu des capitaux placés à l’étranger, d’importer plus qu’il n’exporte, le pays est en train de perdre sa primauté industrielle. Avant même la fin du siècle, l’Allemagne produit davantage d’acier que l’Angleterre et construit une impressionnante flotte de guerre lourde de menaces…

A la veille de 1914, la France fait figure d’exception et non de règle : en cause, la Révolution de 1789 qui a détruit son aristocratie, brisée son élan économique et sa flotte, amorcés sous les règnes de Louis XIV, Louis XV et Louis XVI. Les guerres napoléoniennes furent une série de catastrophes masquées par les ors de victoires passagères et illusoires, meurtrières surtout, dont il ne restera rien en 1815, si ce n’est des millions de jeunes hommes tués sur les champs de batailles et, sauf rares exceptions –comme la Suède- qui confirment la règle, l’amertume de peuples occupés par les armées de Napoléon.

 

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Leyendecker

 


En 1914, si toute l’Europe est constituées de monarchies, celles-ci sont bel et bien tournées vers l’avenir et la modernité, bien davantage que la France, dotée in extremis d’une IIIème République à l’esprit revanchard et mesquin. Partout en Europe, les noblesses de sang sont actives, modernes, conservant leurs deux fonctions essentielles : commander dans l’ordre politique et demeurer un modèle dans l’ordre éthique et esthétique. Sans doute, une cause principale réside-t-elle dans le fait que les élites aristocratiques européennes n’ont pas été, comme en France, castrées d’abord par le centralisme et la politique de Cour de Louis XIV, puis évincées progressivement du pouvoir et de l’autorité morale. Ni en Angleterre, ni en Autriche-Hongrie, ni surtout dans l’Allemagne wilhelmienne la noblesse et les élites qui s’y rattachent ne correspondent à l’image « fin de siècle » et décadente que donne Marcel Proust dans A la recherche du temps perdu.

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L'Adriatic, 1907.

 

Partout en Europe, au contraire, les noblesses de sang sont actives, modernes, conservant avec un certain panache fait de tradition et d’avant-gardisme, leurs places et rôles, le tout sans complexes. Elles semblent réussir ce difficile équilibre entre maintien des traditions et nécessaire circulation des élites. Car les nouvelles catégories sociales nées de la révolution industrielle, haute et même moyenne bourgeoisies, loin de se rebeller contre la noblesse héréditaire comme l’avait fait la bourgeoisie française de 1789, au contraire, l’admirent, la soutiennent et ne songent qu’à l’imiter et la rejoindre à la faveur de mariages mixtes. La bourgeoisie allemande, dans son immense majorité est monarchiste. Comme Thomas Mann, celui que l’on découvre dans les Considérations d’un apolitique, qui défend d’un même élan l’Allemagne et sa culture et les idées monarchiques :

« Je ne veux pas le bazar du parlementarisme et des partis ; je veux la monarchie ! »

Thomas Mann

 

 

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Vaterland, 1913

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En 1863, c'est-à-dire avant son unité, l'Allemagne est déjà capable de construire des transatlantiques.

 


De même l’économiste Werner Sombart oppose-t-il la mentalité héroïque de l’Allemagne aux idéaux des boutiquiers, fils de la Révolution française ; c’est d’ailleurs le titre de l’ouvrage qu’il publie en 1915, Händler und Helden , Héros et Commerçants. D’autres penseurs voient dans la mentalité de petits rentiers qui a submergé la France l’origine de sa décadence. Ainsi, le Suédois Rudolph Kjellèn, l’inventeur en 1900 du mot « géopolitique ; dans la droite ligne de Nietzshe, il montre combien les principes d’égalité, figés en dogme, aboutissent au nivellement et à la médiocrité. Dénonçant les « slogans usés de la révolution française », c’est au contraire dans « l’ordre allemand » qu’il discerne le principe de l’avenir.

 

 

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Eichorst; tranchée en 1918.

 


Mais, comme le Titanic fut englouti dans les profondeurs de l’océan, tout ce monde sera englouti par l’apocalypse de la Première Guerre Mondiale…

 

 


 

 

 

 


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24 mars 2012 6 24 /03 /mars /2012 18:41

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Juillet 1789, à Versailles.

 

 

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Le château de Versailles, siège de la plus illustre monarchie du monde, se vide peu à peu de ses habitants, à la suite de la montée des périls et des évènements gravissimes qui se sont déroulés à Paris où la populace, le 14 juillet, a attaqué la Bastille, massacré ses occupants ainsi que certains notables parisiens.

La famille royale prend conscience de la gravité des évènements qui se précipitent, depuis la Réunion des États Généraux au mois de mai ...

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Mais auprès de la reine Marie-Antoinette (1755-1793), sa lectrice, Sidonie Laborde, pense naïvement que rien ne peut lui arriver. Pourtant, les dépêches, les compte-rendus écrits et verbaux qui arrivent les uns après les autres au château, sont de plus en plus alarmistes. Cependant, le roi, frappé par le deuil récent du dauphin, semble incapable de prendre les mesures nécessaires au rétablissement de l'ordre monarchique à Paris, deuxième capitale du royaume.

Tout le monde retient son souffle...Dans une atmosphère de fin d'un monde.

 


 

Il y a deux films distincts dans cette somptueuse adaptation du roman de Chantal Thomas (Points Seuil): d'une part, la reconstitution historique, splendide, qui égale les meilleurs films du genre, même si l'artifice est rendu facile par les décors réels du château.

Mais Benoît Jacquot nous fait voir les parties du plus beau palais d'Europe-et pour moi, du monde- où vivaient les domestiques et certains courtisans, pas mieux logés que ceux qui les servaient: des coursives étroites, sombres et sales, donnant accès aux appartements exigus et bas de plafond.

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C'est le Versailles de la jeune lectrice, quand elle n'est pas prés de la reine, par les yeux de qui nous vivons toute l'histoire: les trois jours qui ont vu le château se vider, les nobles s'habillant en domestiques pour ne pas être reconnus et tenter de fuir la France, pour sauver leur tête.

Il est fascinant de sentir comment  l'Histoire avec un grand H existe aussi dans de très petites choses, incomprises de ses auteurs comme de ses victimes.

Et puis, dans ce film qui se veut historique, il y a bien sûr, la marque de notre temps: celle d'un réalisateur fervent lecteur de Sade qui se plaît à pervertir et salir sciemment  l'image d'une reine martyre, avec une complaisance de voyeur, faisant de Marie-Antoinette, une lesbienne plus ou moins refoulée; c'est méconnaître le personnage qui en juillet 1789 est une mère éplorée et se révélera une épouse exemplaire en force de caractère et fidélité à un Louis XVI pris dans la tourmente et trahi de toutes parts. Il s'agit donc de la part de ce réalisateur d'un parti pris puisqu'il pouvait prendre conseil auprès d'historiens dignes de ce nom pour corriger son point de vue...

Entre la Marie-Antoinette de la petite Coppola et celle ici dépeinte par un petit Jacquot, il reste heureusement, dans l'Histoire de la monarchie française et dans nos coeurs, le souvenir inaltérable d'une reine de France qui mourut avec une grande dignité.

 

 


Comme d'habitude, la diction des acteurs et actrices est d'une médiocrité affligeante; cela vient sans nul doute, du fait que la plupart d'entre eux ne sont guère passés par la dure et exigeante école du théâtre et encore moins, cela va sans dire, par la Comédie Française.

Ce défaut, majeur, des acteurs français actuels, ne se retrouve que rarement chez les comédiens britanniques, pour qui le théâtre est au départ, un passage plus désiré qu'obligé  pour se distinguer auprès d' un public somme toute, bien plus exigeant que le public français.

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Cette promiscuité publique entre la reine et une servante est tout simplement anachronique...

 

 

 

 

Certes, il y a les costumes et les perruques mais ils ne suffisent pas à transmettre justement un contexte historique et les psychologies souvent complexes, de personnages dont la renommée a été galvaudée par les manuels d'Histoire de la République, véritables machines à endoctriner les jeunes esprits de façon à couper le peuple français de son amour pour la monarchie.

Contrairement aux fantasmes du réalisateur Benoît Jacquot, la Marie-Antoinette de l'été 1789 n'est plus la jeune et ravissante archiduchesse qui arrive de Vienne pour s'installer dans le royaume des Lys et devenir reine de France et de Navarre en 1774. C'est une mère de famille qui s'inquiète pour l'avenir de la dynastie et donc de ses enfants. Elle pleure son fils aîné qui est mort, dans des souffrances épouvantables, d'une maladie incurable, le 14 juin au château de Meudon.

 

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Mariantoinette-en-rouge---enfants.jpgDu mariage de Louis XVI avec Marie-Antoinette naquirent quatre enfants; deux fils, Louis-Joseph (1781-1789), Louis-Charles (1785-1795) qui devient roi à la mort de son frère aîné et deux filles: Marie-Thérèse Charlotte , future duchesse d'Angoulême et Sophie- Hélène Béatrice, morte en bas âge. Sur le tableau ci-dessus, Louis-Joseph montre le berceau vide de sa petite soeur Sophie-Hélène.


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En juillet 89, la jeune et frivole Marie-Antoinette est devenue une femme d'âge mûr pour son époque,( 34 ans), une épouse et surtout une mère qui a mûri et qui se dévoue à l'éducation de ses chers enfants dont l'un, l'héritier du trône vient de mourir, le 14 juin. L'attention et l'amour que portent le couple royal à leurs enfants est pour l'époque relativement nouveau dans le milieu des princes. Louis et Marie-Antoinette sont en quelque sorte des précurseurs en la matière. Par ailleurs, déjà salie par l'affaire du collier, des libelles infâmes et des calomnies odieuses fabriqués par les révolutionnaires et même par certains membres jaloux de la haute aristocratie, la reine ne se rend plus à Paris, pas même pour l'opéra ou le théâtre dont elle raffole pourtant. C'est une femme qui s'est repliée sur sa famille et se délasse mélancoliquement dans le tout nouveau Hameau de la Reine conçu et construit par l'architecte Mique de 1784 à 1786, selon le nouveau goût pour la campagne à la suite des écrits de J.J Rousseau..

 

 

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Seuls les intimes de la reine Marie-Antoinette sont autorisés à accéder au hameau, incontestable marque de faveur, ce qui ne manque pas d'alimenter les rumeurs sur ce qui se déroule au sein de ce domaine. Le comte de Vaudreuil, le baron de Besenval, la comtesse de Polignac avec sa fille Aglaë de Guiche et sa belle-sœur Diane, et le comte d'Esterhazy sont de ceux-là. Le prince de Ligne ne manque pas une occasion de visiter le hameau ou, pour le moins, de se tenir informé des nouvelles du lieu. La reine apprécie la compagnie de sa belle-sœur, Madame Élisabeth, et de la princesse de Chimay. Madame Campan, première femme de chambre, et la comtesse d'Ossun, dame d'atours, accompagnent la Reine en toutes occasions. On est loin des préséances en usage au château : « Je n'y tiens point de cour, j'y vis en particulière », affirme la reine.

Les enfants profitent aussi de cette relative simplicité : même Madame Royale (Marie-Thérèse), jugée par sa mère trop imbue de son rang, est envoyée ramasser avec les autres enfants du hameau les œufs du poulailler, dans un joli panier enrubanné.

 

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Les invitées se doivent d'être en tenue légère, robe claire de percale, fichu de gaze ou chapeau de paille. Cette nouvelle mode, qui choque certains, est imaginée par Marie-Antoinette, jamais à cours d'idées en la matière et sa couturière et complice Rose Bertin.


On y joue au billard ou au trictrac, on se promène dans les jardins le long de l'étang. On danse aussi sur la pelouse, gavottes et contredanses, au son d'un petit orchestre. La reine, pour oublier les libelles qu'elle trouve parfois sur ses meubles, aime chanter et jouer du clavecin devant ses proches. Il est rare que le roi Louis XVI se rende au hameau, la liberté de ton n'en est donc que plus aisée : les repas sont plus légers et plus simples qu'au château et on s'y amuse pendant qu'à quelques pas de là, dans un château vide de toute animation de cour, la noblesse entretient haines et jalousies. Ces collations se terminent généralement par une visite à la laiterie pour y déguster des fromages parfois mêlés de fruits rouges récemment cueillis. On se plaît d'ailleurs à côtoyer les « petites gens », à les voir vaquer à leurs occupations et on s'intéresse même à leur sort.

 

De temps à autre, la reine s'éclipse vers son boudoir au bras du comte de Fersen. Mais c'est l'après-midi du 5 octobre 1789 que, mandée par un messager du roi alors qu'elle se trouve dans sa grotte, elle jette un dernier regard vers son hameau qu'elle ne reverra plus.

 

 

 

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L'entourage de la reine s'est donc considérablement restreint et ce dés les années 84-85.


Marie-Antoinette se méfiant des ragots d'une cour qui, quelques années plus tôt, l'encensait, n'accepte à ses côtés que quelques dames dont la fidélité inébranlable lui est acquise comme par exemple la princesse de Lamballe, la comtesse de Polignac, la charmante et talentueuse  Elisabeth Vigée-Lebrun, sa portraitiste officielle qui finira par émigrer bientôt.

L'affaire du collier (1785) qui fut catastrophique pour la réputation de la reine, puisque le Parlement de Paris a "blanchi" le cardinal de Rohan, infligeant un camouflet à la souveraine,  est encore dans les esprits les plus malveillants. Les bals parés et masqués qui, au début du règne, étaient régulièrement organisés comme un rituel festif et sacré en rythmant la vie de la Cour de France,  sont plus rares  et la reine ne mise plus, comme auparavant, des sommes considérables aux jeux. Le déficit atteint, dés le milieu des années 1780, des proportions inquiétantes mais relativement moins que celles de la dette publique actuelle. A la suite de l'aide apportée aux insurgeants américains, le Trésor est vide, les impôts qui n'ont pas augmenté, rentrent mal et sont mal répartis, contrairement à l'Angleterre où depuis longtemps la noblesse est imposée.


Quelles sont les origines financières de la Révolution?

Malgré certains atouts de la gestion publique en France et notamment des atouts mis en oeuvre au temps de Colbert, ces derniers se révèlent inaptes à encadrer l'affairisme installé au coeur de l'Etat. En insistant sur les rapports sociopolitiques qui lient l'administration monarchique à ses intermédiaires financiers, Marie-Laure Legay, historienne, dans son dernier ouvrage La banqueroute de l'Etat royal ,éd. EHESS; 2012, éclaire d'un jour nouveau les paradoxes d'une gestion organisée à partir de recettes centralisées et de dépenses insuffisamment contrôlées, paradoxes sur lesquels les réformes du XVIIIe siècle ne revinrent pas. L'une des faiblesses de l'Etat royal se dévoile ainsi au lecteur: la défaillance de son contrôle financier, c'est-à-dire du contrôle de l'Etat sur lui-même.

Les aménagements techniques de la seconde moitié du siècle se révéleront trop tardifs et les réformes politiques, de Laverdy à Necker, bien trop frileuses pour satisfaire une opinion qui réclamait des comptes.

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Sur le plan conjugal, le couple Louis XVI-Marie-Antoinette s'est consolidé. Contrairement aux rumeurs et calomnies, Marie-Antoinette demeure fidèle à son royal époux qu'elle apprend à respecter et à aimer; elle a pénétré et reconnu son intelligence, malgré ses maladresses et son manque de charisme, sa droiture et somme toute son courage. Par ailleurs, les historiens n'ont aucun élément leur permettant de penser qu'elle fut la maîtresse du séduisant comte Axel de Fersen. Ce dernier fut sans nul doute amoureux de la reine, comme de nombreux jeunes hommes de la Cour; Marie-Antoinette fut-elle aussi amoureuse du beau suédois? Peut-être? Mais elle fut toujours très consciente de son devoir d'épouse et de reine et, même si cela peut paraître aujourd'hui excentrique et improbable, Marie-Antoinette en tant que princesse catholique eut une conscience aiguë du péché mortel; et l'adultère en était un de taille. Sans compter les risques que cela pouvait nuire à la majesté du souverain. Autant le peuple pouvait admettre que le roi eut des favorites, autant une reine adultère aurait fragilisé le règne tout entier. En conséquence, il est fort  probable que, malgré les tentations, Marie-Antoinette fut assez forte pour ne pas succomber. En fut-elle frustrée? Tout renoncement implique une blessure...

 

 

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France Sade Juliette06Les gravures pornographiques imprimées en Hollande,inspirées par le marquis de Sade sont régulièrement saisies par la censure, en vain...

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Quant à des tendances homosexuelles? N'en parlons même pas tant cette pratique déviante était jugée à la Cour, pourtant réputée tolérante, comme démoniaque...L'esprit des Lumières et des libertins n'avait pas la force d'attraction qu'on lui prête aujourd'hui, encore moins sur la famille royale; la Régence, assurée par le libertin Philippe d'Orléans, et le règne du séduisant et royal coureur de jupons Louis XV sont déjà loins. L'éducation de Louis XVI, sans être rigide, fut des plus solides dans le domaine de la morale et des moeurs chrétiennes et il en fut de même pour celle que certains esprits étriqués surnommaient avec mépris "l'Autrichienne".

 

 

 

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L'époque révolutionnaire commence pour Marie-Antoinette sous des signes effrayants.

 

Son fils aîné agonise, conscient, le corps douloureux, déformé par un mal incurable. Un déchaînement de libelles, un raz-de-marée de haine émanant de milieux politiques hostiles, répondent à son besoin de popularité qui  s'est tari, asséché par la bêtise et la méchanceté de ses détracteurs dont elle connaît la capacité de nuisance. La plupart  sont des nobles de nom mais non de coeur...Il y a la bourgeoisie d'affaires des grandes villes qui la considère comme un parasite oisif qui suce l'argent des caisses d'un Trésor déjà vide: elle qui fait travailler des milliers d'artistes et d'artisans grâce à ses commandes de luxe est qualifiée de"Madame Déficit".

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5 mai 1789: Réunion des États-Généraux; il faut créer de nouveaux impôts pour renflouer le Trésor. Dés lors, tout va aller très vite: le processus révolutionnaire s'emballe...

 

Et pourtant, Marie-Antoinette, hors sa douleur maternelle, n'a pas vraiment encore le sentiment de vivre une tragédie, mais plutôt d'être confrontée à un défi qui va la projeter dans une aventure captivante. Les traits essentiels de son caractère, la passion du mouvement, le goût de la nouveauté, le désir de ne pas se laisser flouer par la médiocrité, la soif de bonheur pour elle-même et les autres ne sont point changés; mais les circonstances les ont en quelque sorte sublimés.Coquette et séductrice, elle ne l'est plus avec les galants de la Cour qui d'ailleurs commencent à fuir. Elle se sert de ses atouts pour tenter de séduire et convaincre des hommes nouveaux: Mirabeau, intelligent, rusé, vénal et très laid. Elle parvient à le rallier à la cause monarchique; mais il mourra subitement en juin 91. Plus tard, elle réussira, pour un moment, à adoucir le terrible Barnave.

Bastille.jpgParis,14 juillet 1789: dans la chaleur caniculaire,la populace moutonnière cédant à la panique, à la recherche d'armes pour soi-disant, se défendre, attaque plusieurs bâtiments royaux qu'ils saccagent, puis donne l'assaut à la forteresse-prison de la Bastille. Cet évènement d'une violence vertigineuse qui est devenu un symbole majeur républicain qui servira d'exemple à  toutes les révolutions populaires en France et dans le monde. Ce qui en dit long sur les fondements des "valeurs républicaines et démocratiques".

 

Puis, au fil des mois, usée par la douleur, les cheveux blanchis, la reine déchue est encore plus belle et majestueuse; tout le sang des Habsbourg qui coule en elle, s'aristocratise encore davantage.

Cernée dans le palais des Tuileries dans la nuit fatidique du  4 Août 1792, où la populace donne les derniers coups à la plus illustre monarchie du monde, enfermée dans la prison du Temple, isolée et gardée jour et nuit dans un cachot de la Conciergerie, elle suscite encore d'extraordinaires dévouements. En fait, à aucun moment elle ne renonce. Avant d'aller au supplice, elle fait encore preuve de coquetterie:sa dernière robe est simple, digne, élégante.

Enfin, sa bienveillance ne cède pas sous les coups des mauvais traitements et des humiliations que les révolutionnaires lui font subir: jamais, le roi et la reine de France n'ont employé la force contre leurs ennemis de l'intérieur, les pires, ne serait-ce que pour se défendre...

Auraient-ils dû?

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3 mars 2012 6 03 /03 /mars /2012 15:20

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Le Projet Nim science ou imposture?


Il y a presque 40 ans était initié un programme "scientifique" qui semble aujourd'hui insensé: élever un singe comme un humain. Comment la science a pu se fourvoyer  et quelles leçons en tirer aujourd'hui?


Le film-documentaire Le projet Nim revient sur cette page  troublante de la psychologie...

Ce projet retrace l'histoire d'une expérience où un jeune chimpanzé fut immergé dans une famille humaine, afin qu'il devienne...un humain. Rien de moins!

L'incohérence d'un tel projet est flagrante  à notre époque où les spécificités de chaque espèce animale sont connues; c'est entre autres erreurs, la volonté de tout centrer sur le langage et son apprentissage qui a fait échouer l'expérience.Ce film rappelle la nécessité de s'interroger sur les présupposés  de toute théorie scientifique.

 

 

 

 


 

Connaissez-vous l'histoire du chimpanzé qui fut élevé comme un être humain, perdit sa place chez les animaux et ne la trouva  jamais chez les humains? Ce n'est pas une fable de Monsieur de La Fontaine, mais une expérience menée aux Etats-Unis entre 1973 et le début des années 80. Une expérience qui se voulut rigoureuse, mais qui se solda par un immense échec, un vrai gâchis.

Le projet Nim, ce n'est pas l'histoire d'un animal qui voulut être un homme, mais celle d'un chimpanzé auquel on fit croire qu'il en était un, et qu'on renvoya à sa condition parce-que malgré tous ses efforts, il ne répondait pas aux attentes que les chercheurs avaient placées en lui.

Le projet Nim,  documentaire réalisé par James Marsh et retraçant l'histoire d'une expérience unique sur un singe, n'est pas seulement un film sur la cruauté  dont peuvent  faire preuve des scientifiques animés des meilleures intentions du monde; il est aussi  un témoignage sur une époque, ses références scientifiques et l'idéologie qui se développe inévitablement dans le sillage de ces scientifiques, leur morale familiale et sexuelle, et bien sûr, le rapport de l'homme à l'animal.

Mais le monde a radicalement changé: le projet Nim est une plongée formidable dans un passé tout proche et déjà lointain. Rappelez-vous, à cette époque, les téléphones étaient attachés au mur par un fil...

 

 

 

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Le mythe du "symbole roi".


En quoi a consisté le projet Nim? Tout simplement à élever un nouveau-né chimpanzé comme un être humain, avec l'espoir qu'il apprendrait à parler de la même façon  que ses parents adoptifs.Et comme le larynx des chimpanzés  ne sait pas articuler les sons humains, l'idée était de lui apprendre  la langue des signes utilisés par les sourds-muets.

 

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Chute de Saïgon en avril 1975: l'Amérique en sortira traumatisée...

 

 

Pour comprendre ce projet, il faut faire un plongeon rétrograde et s'immerger à nouveau dans le contexte historique  de la fin  années 60. Et là, on s'aperçoit vite que la génération née tout de suite après la guerre patauge dans l'utopie: la révolution libertaire de 1968 a modifié profondément la vision de l'homme et de la société; il y a eu Woodstock, les hippies, tous enfants gâtés par l'opulence et le confort matérialiste. Sur le plan des idées, la discipline phare est la sémiologie, la science des signes (par exemple, celle des symptômes en médecine). Aujourd'hui, c'est difficile à comprendre dans la mesure où notre discipline phare est incarnée par les  neurosciences. C'est d'elles que nous attendons la grande synthèse qui devrait permettre de penser ensemble le fonctionnement psychique normal, le fonctionnement pathologique et le fonctionnement groupal. Mais dans les années 70 et 80, le langage parlé et écrit  était l'obsession de la communauté scientifique.Nim-Project---baby.jpg

 

 

 


 

Le projet Nim, tel qu'il fut mis en place dans ces années ne recevrait aujourd'hui aucun agrément. Qu'on en juge: un psychologue de l'université de Columbia, le professeur Herbert Terrace, qui ne connaît rien à la vie des chimpanzés, arrache un nouveau-né à sa mère et le confie à l'une de ses anciennes étudiantes, Stéphanie Lafarge, par ailleurs mère d'une famille nombreuse. Elle accepte et pense pouvoir bien travailler  avec Herbert Terrace en particulier parce qu'elle... a eu des relations sexuelles avec lui; cela constitue à ses yeux la meilleure garantie d'une collaboration solide et  durable. Elle va donc élever Nim comme son fils et lui donner le sein pendant trois mois. L'animal sera langé,  habillé et nourri comme un enfant à qui on va apprendre la propreté et pourquoi pas, soyons fous, la...politesse?! Nim-project-eating.jpg

Il ne s'agit donc plus seulement d'apprendre à un singe la langue des singes, mais de le retirer à son milieu éducatif naturel-dont à l'époque on ignore à peu prés tout-et de le transplanter dans une culture humaine.En revanche, le compagnon de Stéphanie Lafarge-prénommé Wer- développe rapidement de l'hostilité vis-à-vis de l'intrus.Le perçoit-il comme un enfant qu'Herbert Terrace aurait fait à sa femme sur une paillasse de laboratoire et qui crée entre eux une complicité dont il se sent exclu? Dans tous les cas,Nim le lui rend bien...

Il a une excuse de taille: les chimpanzés sont élevés par leur mère seule. Mais Nim a aussi une nombreuse fratrie c'est-à-dire les enfants de Stéphanie et de Wer. Et chacun d'entre eux établit avec Nim une relation particulière, hors de tout contrôle...Inutile de préciser que dans ce domaine, les enfants sont particulièrement inventifs...

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L'expérience se solde par un fiasco:Nim est confié à plusieurs nourrices sucessives; Herbert voulait l'élever comme un humain et c'est ce qu'il fit mais Nim, enfant adopté dans lequel aucun parent ne se reconnut jamais parce-qu'il était un chimpanzé, passa son enfance d'une famille d'accueil à une autre, et pire, le plus souvent d'une famille monoparentale à une autre famille monoparentale. L'adolescence lui conféra la force-six à sept fois celle d'un homme- et un irrépressible besoin sexuel. Les accidents se multiplient d'autant que Nim a gardé sa dentition naturelle et qu'il dispose de canines redoutables: bras mordus, joue arrachée, animal de compagnie écrasé contre un mur... H.Terrace prend peur. D'autant plus que Nim commence à le décevoir: il connaît de nombreux mots et se révèle capable de les agencer, mais uniquement pour demander quelque chose. Hélas,Nim n'utilise pas son vocabulaire acquis pour s'extasier devant la beauté du monde, la gentillesse de sa baby-sitter ou raconter ses rêves!...Bref, il est désespérément autocentré!. Herbert a des remords: il finit par penser qu'il n'aurait jamais dû retirer Nim de son milieu naturel et décide de l'y renvoyer.. Le chimpanzé nourri aux cornflakes , qui a appris le langage des signes et la propreté, se retrouve dans son milieu "naturel" qui n'a rien de naturel pour lui.Nim déprime, se replie sur lui-même; quand il s'énerve, il est calmé à coups de décharges électriques.Mais un nouveau rebondissement survient: le propriétaire des chimpanzés est contraint, pour des raisons financières, de vendre ses animaux à un centre de recherches médicales. Nim es sélectionné pour faire partie d'un programme d'expérimentation  pour la mise au point de vaccins contre les hépatites B et C. Il continue à parler, à demander à jouer, à protester contre les expériences qui lui sont imposées...

 

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28 février 2012 2 28 /02 /février /2012 08:59

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Le film nous transporte d'abord à la veille de la Grande Guerre, en Angleterre...

 

Albert, le fils d'un pauvre fermier anglais s'attache à son nouveau cheval, Joey.

Séparé de lui dés le début du conflit, il s'évertue à retrouver ce cheval d'exception, qui marque tous ceux qu'il croise, soldats anglais ou allemands.

 

 

Cette histoire épique d'amitié entre un garçon et un cheval est d'abord faite pour le jeune public, mais aussi pour ceux qui n'ont pas  viellli dans leur coeur. Ceux-là trouveront dans ce nouveau Spielberg cent occasions de s'émouvoir.

Quant aux autres, ils pourraient n'y voir qu'une grosse pâtisserie où le fond de tarte est épaissi par une solide technique sans faille et un savoir-faire narratif éprouvé qui serait recouvert de crème écoeurante au parfum de sentimentalité spielbergienne, le tout retenu par des biscuits à la cuiller, ramollis au sirop des images d'Epinal sur la Guerre de 14-18 et la Déclaration universelle des Droits des Animaux de Ferme...

 

Oui, je les entends déjà, ces spécialistes de la critique cinématographique avec un cerveau à la place du coeur ...


Mais cette réaction n'est pas obligatoire: il est possible de partager le plaisir des enfants; s'il n'est pas trop tard. Il suffit aussi, de ne pas regarder ce film comme une histoire de guerre crédible, ni même une aventure romanesque touchante. Non, ce film doit se laisser conter; comme un conte.... ou une  folle histoire d'amour.

A cette condition, le film peut se suivre avec l'admiration qu'il mérite.

Aprés un démarrage plutôt lent et académique, le film s'emballe à l'image de ce cheval magnifique et fougueux qui est le seul vrai héros; noblesse oblige...

Une scène déjà fameuse -à la Spielberg- et qui restera d'anthologie, suffit à elle seule à rendre le film mémorable: la folle course de Joey à travers les tranchées et les barbelés du no man's land...

Cette scène suffirait à faire entrer son metteur en scène au Panthéon du 7ème Art...

 

 

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<SITE OFFICIEL>

 

 

 

 

 

 

 


 

USA-Cheval-girl---2-horses.jpgCHEVAL DE GUERRE, le nouveau film événement des studios DreamWorks Pictures réalisé par Steven Spielberg, est une aventure à grand spectacle, une formidable odyssée où se mêlent loyauté, espoir et ténacité. L’histoire nous entraîne de la magnifique campagne anglaise aux contrées d’une Europe alors plongée en pleine Première Guerre mondiale. CHEVAL DE GUERRE débute sur l’amitié exceptionnelle qui unit un jeune homme, Albert, au cheval qu’il a dressé et entraîné, Joey. Lorsqu’ils sont séparés, l’histoire suit l’extraordinaire périple du cheval, en plein conflit. Cet animal hors du commun va changer la vie de tous ceux dont il croisera la route – soldats de la cavalerie britannique, combattants allemands, et même un fermier français et sa petite-fille, jusqu’au point culminant de l’intrigue qui se déroule dans les terres désolées… À travers l’épopée de ce cheval, c’est aussi la Première Guerre mondiale que l’on découvre, une fresque épique de douleur et de bonheur, d’amitié passionnée et de péripéties à haut risque.

 

CHEVAL DE GUERRE est une somptueuse histoire d’amitié et de guerre qui a d’abord été un roman best-seller, lui-même devenu une pièce de théâtre unanimement saluée qui triomphe encore actuellement à Broadway. Le public va désormais pouvoir la découvrir sur le grand écran, dans une adaptation signée par l’un des plus grands réalisateurs de l’histoire du 7e art.

-à lire sur le site officiel-

 

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Michael Morpurgo, l'auteur du livre "Cheval de Guerre", s'est intéressé au destin des chevaux pendant la Première Guerre mondiale grâce à... Une anecdote entendue dans un bar ! L'écrivain se remémore de cette rencontre : "J’étais là, en train d’écouter ce vieil homme me raconter, les larmes aux yeux, sa relation avec un cheval sur le front de l’Ouest, des décennies plus tôt. J’ai appris que ces chevaux faisaient bien plus que porter les soldats ou tirer les chariots d’armes à feu. Ils comptaient profondément pour les hommes au combat".

 

C’est grâce à Kathleen Kennedy, la productrice attitrée de Steven Spielberg depuis 1982, que le réalisateur a eu connaissance de la pièce "Cheval de Guerre" tirée du roman éponyme de l’auteur britannique Michael Morpurgo. Emu, le cinéaste a alors décidé de la transposer à l’écran.

 

 

 

 

USA Cheval Albert crying hanging on Joey


Pour incarner le héros du film, Albert, Steven Spielberg souhaitait trouver un jeune acteur inconnu du public. Jeremy Irvine, 20 ans, est l'heureux élu. Cheval de guerre est son premier long métrage. Le réalisateur se souvient du casting :

"Je désirais un nouveau visage. Joey était un illustre inconnu, alors il fallait qu’il en soit de même pour Albert. Nous étions pile au milieu de nos recherches lorsque nous avons vu Jeremy pour la première fois. Nous avons donc poursuivi les auditions pour voir si quelqu’un serait à sa hauteur. Après plusieurs mois de recherches, il était évident que Jeremy était le meilleur choix."

 

 

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War Horse cast

 

Le hasard veut que l'histoire de Cheval de guerre trouve une résonance toute particulière dans l'histoire familiale de l'acteur Jeremy Irvine. L'interprète du personnage d'Albert, le jeune homme attaché à son cheval, révèle cette anecdote :

"Deux de mes arrière-grands-pères ont fait cette guerre. L’un était à Gallipoli et avait une jument baptisée Elizabeth à laquelle il était très attaché. J’ai vu le reçu montrant qu’il avait acheté le cheval à l’armée pour 28 livres, la même somme dont Albert dispose lorsqu’il essaye de racheter Joey à l’armée ! Quelle incroyable coïncidence !"

 


 

USA-Cheval-Robert_Emms.jpgPour incarner David Lyons, le rival d'Albert, Steven Spielberg a choisi l'acteur Robert Emms... Connu pour son rôle d'Albert dans la pièce de théâtre "Cheval de Guerre" !

 

 

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 Jeremy Irvine s'est plié à un entraînement intensif. A cheval jusqu'à dix heures par jour, l'acteur s'est exercé dans les écuries hébergeant les héros de Pur Sang, la légende de Seabiscuit et Prince Noir.Quatorze chevaux différents ont été utilisés par la production pour le seul rôle de Joey. Ils étaient entraînés ensemble, afin d'assurer leur symétrie, et chaque petite marque ou tache était reproduite sur tous les chevaux afin que la différence entre eux ne soit pas perçue à l'écran.

Finder, le cheval "principal" du film Cheval de guerre est une véritable star équine. Cet acteur sur pattes était déjà le héros de Pur Sang, la légende de Seabiscuit.

 

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Pour le bon déroulement du tournage, Cheval de guerre a nécessité la présence de pas moins de 400 personnes sur le plateau. Par ailleurs, pour les séquences à cheval, une quinzaine de montures ont été utilisées. Steven Spielberg en possède lui-même une douzaine pour le plus grand plaisir de sa fille, même s'il avoue ne pas monter à cheval.

 

 

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Même si le décor récréant les tranchées a été aménagé spécialement pour permettre à l'équipe du film d'évoluer sans problème, les aléas climatiques n'ont pas empêché quelques petites péripéties. Steven Spielberg en a fait les frais. Le réalisateur raconte :

"Il n’arrêtait pas de pleuvoir donc nous glissions et dérapions sans cesse. Tourner là-dedans était un enfer. Un jour, je me promenais dans les tranchées après une pluie torrentielle, l’eau était profonde d’environ 45 centimètres et j’avançais péniblement avec mes cuissardes de pêcheur. Tout à coup, je suis tombé dans un trou d’environ 2,40 mètres ! J’étais sous l’eau et c’est mon équipe qui m’en a sorti."

 

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Dans un souci de réalisme, l'armurier Simon Atherton s'est procuré de véritables armes de la Première Guerre mondiale : "Nous avons trouvé des marchands et des collectionneurs auxquels nous avons emprunté des armes en état de marche mais que nous avons évidemment fait tirer à blanc. Par contraste, les soldats britanniques sont équipés de sabres qui sont la réplique du modèle Pattern 1908 et les officiers de sabres du modèle Pattern 1912. Pour obtenir la légèreté des sabres, nous les avons faits en bambou puis nous les avons chromés."

 

 

 

 

 

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USA; Leyendecker, 1910.

 

 

 

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Tranchée à Verdun, soldats français avant l'assaut; 1916.

 

 

 

 

Si Cheval de guerre est avant tout une histoire d'amitié sur fond de guerre, le scénariste Richard Curtis souligne également une influence discrète, celle du western : "Je pense que Spielberg avait aussi en tête la tradition du western. Le récit commence dans une ferme charmante, où les gens tirent l’eau du puits et où il y a une oie sympathique, puis arrive brutalement le pressentiment que quelque chose d’affreux va se produire."

 

 

 

USA Cheval girl & 2 horses

 

 

Afin d'assurer la crédibilité de la grande séquence montrant des charges de cavalerie, Steven Spielberg a écouté les conseils de David Kenyon, un spécialiste du sujet. Le tournage de la séquence en question s'est avéré être un moment intense : "Avoir passé autant de temps à étudier la cavalerie dans les livres et la voir soudain devant moi a été un grand moment. La première fois que j’ai vu les cavaliers en uniforme, parfaitement équipés, avec les chevaux se comportant comme ils l’auraient fait à l’époque, cela m’a donné la chair de poule", se souvient Kenyon.

 

 

Allemagne Tranchée Eichhorst 1918


 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Eichorst; Tranchée, 1918.

 

 

 

 

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"Aucun animal n'a été maltraité durant le tournage..." La protection des chevaux acteurs a été l'une des préoccupations de Steven Spielberg pendant les impressionnantes séquences de bataille. Une représentante de l’"American Humane Association" était présente sur le tournage. Elle décrit sa mission : "Nous avons constamment veillé à la sécurité et au bien-être des chevaux, qui ont été traités avec la plus grande douceur. Il était clair que Steven se souciait profondément des animaux et cela s’est reflété à tous les niveaux de la création du film."

 

 

 

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Steven Spielberg est bien connu pour son goût pour le numérique et les incrustations. Mais pour Cheval de guerre, il a choisi de ne pas utiliser d’effets spéciaux pour les scènes de bataille. Et de préciser : "J'adore les images de synthèse à condition qu'elles soient utilisées pour de bonnes raisons. Je n'ai pas forcément envie de voir Casablanca ou Le Parrain en relief."

 

 

 

 

 


 Spielberg a déjà réalisé plusieurs films sur la Seconde Guerre mondiale (La Liste de Schindler, Il faut sauver le soldat Ryan, 1941, L'Empire du soleil), mais il ne s'était jamais penché sur la Première Guerre avant Cheval de guerre.

Le cinéaste avoue qu'il n'avait aucun intérêt pour l'histoire de cette guerre avant de lire le roman de Michael Morpurgo. La productrice Kathleen Kennedy explique par ailleurs que cette guerre est très peu connue par les Américains.

 

Le cheval est l'espèce animale qui a payé le plus lourd tribut pendant la Première Guerre mondiale. Ils furent entre 4 et 8 millions à mourir. Du côté britannique, un million de chevaux ont été impliqués dans le conflit. Seuls 62 000 survécurent à l'issue de la guerre.

 

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Paris, août 1914.

 

 

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Les survivants; "Gueules cassées" ou Retour de l'Enfer.

 

 

 

 

 

La sortie de Cheval de guerre aux États-Unis était prévue pour la mi-août 2011, mais une fois que le film était prêt et que toute l'équipe a pu le voir, Steven Spielberg lui-même était surpris du résultat, qui ressemblait, selon lui, à "un grand film de vacances". DreamWorks Pictures et Walt Disney Pictures ont donc décidé de repousser la date de sortie au 28 décembre 2011, en fonction des vacances de fin d'année.

 

-in Allociné-

 

 

 

Si le cheval est la plus noble conquête de l'homme, l'homme n'a pas toujours été noble envers le cheval...Mais seul le cheval a su garder sa dignité et sa noblesse.

 

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USA, Leyendecker; 1908.

Jusqu'au milieu des années 70, le cheval est une marque de distinction sociale liée à l'aristocratie.

 

 

 

 

 

 

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" Un siècle et quelque après l'invention du moteur à explosion, l'Occident a presque totalement oublié le rôle qu'a joué le cheval dans son histoire, qu'il s'agisse de son usage économique et guerrier ou de ses fonctions symbolique, politique et culturelle.

Comment le rapport des hommes à la gent équestre a-t-il fonctionné de la Renaissance à la Belle Époque ? Tel est l'objet de l'immense enquête entreprise par le célèbre historien Daniel Roche et qui comptera trois volumes.

 

Dans Le cheval moteur, il montre comment l'accroissement des chevaux a été suscité par les besoins en énergie, comment il a été porté par des exigences stratégiques ou distinctives. Le triomphe des attelages et voitures est le résultat le plus spectaculaire d'une révolution que n'ont pas, pendant longtemps, freiné les chemins de fer et les machines à vapeur.

 

En dressant l'inventaire des lieux concrets et des situations ordinaires - l'écurie, la caserne, le haras, la route, l'auberge, l'atelier du maréchal-ferrant, du carrossier et du sellier... -, en interrogeant le travail des éleveurs, des cochers, des marchands de chevaux, des entrepreneurs de transport, en montrant les effets provoqués sur l'élevage et les métiers du cheval par des besoins nouveaux, l'étude définit la modernité de la culture équestre qu'entraînent l'utilité, le pouvoir et la passion."

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"Le cheval étant partout, il était nulle part..."

Jacques Mulliez, historien. (Réflexion à la suite de ses recherches).

Les chevaux du royaume.

 

 

Armoiries France royale

 

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Le Grand Carrousel à Paris qui s'est déroulé du 3 au 5 juin 1662, dans les jardins de la Grande Mademoiselle, aux Tuileries,en l'honneur du roi Louis XIV.

Depuis le XVIème, les nobles français qui reviennent d'Italie, ont une passion pour les fêtes équestres.

Le cheval parade est à la mode.

 

 

 

 

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Cavalerie du roi; Maître de camp, 1740

 

Durant des siècles, le rapport au cheval passait par l'armée. Sa terre de prédilection fut et demeure l'Angleterre et la France. Chez les Britanniques, il fait partie d'une tradition intellectuelle. Mais pour l'historien, la difficulté à théoriser le cheval réside dans son usage multiple: c'est un sujet d'histoire totale. Cependant, une évidence émerge des études: le cheval est très tôt un animal central dans la sphère de la politique et du contrôle de la force.

En France, sous le règne de Louis XIV et le ministère de Colbert, les haras royaux concentrent toute la politique de reproduction et d'éducation du cheval qui devient une question centrale, étant donné l'importance de la cavalerie et des guerres louis-quatorziennes. Mais contrairement à l'Angleterre, les haras français ne s'occupent que des étalons, ce qui pour les Anglais est inconcevable. L'historien analyse cette particularité par le fait qu'en France, les femmes n'ont pas accés au trône, contrairement à l'Angleterre; ce parti-pris serait donc un prolongement de la Loi Salique...

 

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Louis XV et le Dauphin sur le champ de bataille de Fontenoy (1745).

 


 

 

 

Contrairement à une idée reçue,la royauté ne résonne pas en terme de race mais de type de chevaux, c'est-à-dire qu'elle recherche la coïncidence du "beau" et du "bon usage". Le "bon cheval" est donc le cheval qui répond parfaitement à sa fonction.

 

En Angleterre comme en France, et comme dans tous les pays d'Europe au XVIIIème siècle, on se ruine pour les chevaux. En France, Monsieur, frère du roi, le comte d'Artois, anglophile célèbre, dépense sans compter pour posséder les meilleurs chevaux du royaume. Cette passion dévorante correspond au spectacle de la distinction sociale d'une aristocratie qui voit ses privilèges et sa fortune concurrencés par la grande bourgeoisie d'affaires alors en plein essor. Sur ce terrain, du moins, rien ni personne ne peut égaler l'aristocrate véritable.

A la Révolution, les haras royaux furent supprimés (1790). Puis, les guerres furent incessantes à partir de 1792. Les chevaux  payèrent un lourd tribut, surtout pendant les guerres napoléoniennes. Ces guerres-là furent de véritables boucheries en hommes, femmes, enfants et chevaux.

 

Napoleon-Eylau---Prusse-orient.-7-8--fev.1807-40-000-mort.jpgBataille d'Eylau, prés de Königsberg en Prusse orientale, les 7-8 fév. 1807, une des batailles napoléoniennes les plus meurtrières: 40 000 tués en une seule journée; combien de chevaux?

 

 

 

 

 

 


 

Avec la Révolution et l'Empire,  le nombre de chevaux en France, ne cesse d'augmenter,  grâce aux progrés des techniques des transports hippomobiles; le nombre des chevaux tués à la guerre aussi.

Le cheval est partout dans le paysage urbain. Sous le Second Empire, la Compagnie générale des omnibus utilise 80 000 chevaux.

 

"Paris est le paradis pour les femmes et l'enfer pour les chevaux".

Louis-Sébastien Mercier; 1798.

 

 

 


 

La viande de cheval n'étant pas consommé, -sauf exceptions qui confirment la règle- de par les relations privilégiées qui se sont tissées depuis des siècles entre l'homme et sa noble conquête,il advint dans l'esprit de certains responsables politiques de briser cet interdit pour écouler cette source de protéine carnée et  nourrir les ouvriers de plus en plus nombreux et sous-alimentés en viande rouge. Au milieu du XIXème siècle, une révolution alimentaire est déclenchée:la viande de cheval devient la viande des pauvres et au fil du temps, les tracteurs ayant remplacé les chevaux de labour, les races chevalines de trait, comme par exemple le Percheron, furent élevés pour être envoyés à la boucherie.

 

XXIéme siècle: retour vers le futur.

 

 

Réhumaniser nos villes et nos campagnes par le cheval, c'est possible. Certains pionniers ont osé, pour le bonheur de tous.

Et si demain le Moyen-Orient s'embrasait, coupant durablement nos approvisionnements en pétrole, sans doute faudrait-il faire preuve d'imagination et de sagesse.

Retour vers le futur :

 


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Ici, une association a réhabilité une ancienne voie ferrée étroite pour organiser avec succés des circuits touristiques.

 

 


 

 

Les ramassages scolaires hippomobiles.

 

 

 

La commune de Vendargues-prés de Montpellier- propose un service innovant !!

 

Après le ramassage des déchets ménagers avec le célèbre QUIGNON, les promenades à la Cadoule à chaque manifestation sur ce site privilégié, voici l’Hippobus !

 

Sur un parcours élaboré avec le maire, Pierre DUDIEUZERE, et Cécile VEILLON, son adjointe aux affaires scolaires, un nouveau service de ramassage scolaire est proposé aux enfants du village.

 

Dès 8 h, avec Agnès et Lesly aux guides, QUIGNON sillonne le village et moyennant 15 arrêts, préétablis sur son parcours, procède au ramassage des petits écoliers pour les accompagner dans les différentes écoles du village.

 

Fini pour les parents de prendre leur voiture, puisque ce service est proposé tous les jours scolaires. Quant au soir dés 17h10, le ramassage se fait en sens inverse des écoles aux arrêts desservant le domicile des enfants.

 

Cette initiative a été accueilli avec enthousiasme par les parents, mais également et surtout par les enfants…

 


 

 

 


 

 

Débardages

Le couple "uniforme-cheval" confère une autorité supplémentaire à la police dans les missions de maintien de l'ordre en mileu urbain et le contrôle de la populace.

 

 

 

 


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17 février 2012 5 17 /02 /février /2012 18:30

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SITE OFFICIEL

 

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Ce nouveau documentaire de Disney Nature  offre, pour notre plus grand bonheur, des images de lions et de guépards filmés au naturel dans la réserve africaine du Masai Mara, tout en les insérant dans une histoire dramatique, où les animaux ont des noms et des aventures, comme dans les dessins animés.

Les images sont exceptionnelles et laissent pantois par leur beauté sauvage. Le résultat est efficace: ces animaux deviennent plus proches de nous et, espérons-le,  cette oeuvre cinématographique -qui va au-delà du documentaire- participera à l'éducation des jeunes générations pour une meilleure protection de la nature et des félins, qui sont encore, rappelons-le sans relâche, les victimes de chasses cruelles qui portent atteinte à leur dignité tout en les menaçant d'extinction.

 

USA Félins Bébé félin tête Disney

L'histoire est une tragédie, immuable et sacrée: combat pour la survie de l'espèce et du clan, pour l'hégémonie d'un chef incontesté, combat pour le territoire.

Mais il ya aussi les jeux et la tendresse...Et tout cela de façon hiératique et élégante...

Depuis leur origine, les Studios Disney font parler les animaux et les personnifient, comme le faisait à sa manière Jean de La Fontaine et avant lui Esope. Une façon détournée et ludique de nous renvoyer un miroir de nous-mêmes; mais en mieux. Car il y a indéniablement plus de beauté, d'élégance et de noblesse chez les félins que chez la plupart de nos contemporains. De siècles en siècles, le processus révolutionnaire a fait des roturiers, jaloux et envieux, les chasseurs des seigneurs. Nombre de ces derniers sont aujourd'hui domestiqué... L'aristocratie a donc déserté les hommes pour retrouver sa place originelle chez les Félins.

Hâtez-vous d'aller voir ce film, car bientôt, -demain est aujourd'hui-, nous ne pourrons voir que quelques tristes félins dans des zoos ou quelques réserves. Le tout dans une République planétaire, triste et uniformisée, où une nouvelle élite de vulgaires domineront...

 

 

 

 


 

 

 

En Afrique, au Kenya, dans l’une des régions les plus sauvages du monde, les animaux vivent libres et loin des hommes.

Au sud du fleuve qui divise ces magnifiques terres, règne le clan des lions mené par Fang. La lionne Layla y élève la jeune Mara. Entre chasse et liens familiaux puissants, c’est la vie d’une famille qui s’écrit. Au nord du fleuve, le lion Kali et ses quatre fils rêvent d’étendre leur territoire. Bientôt, les eaux seront assez basses pour que les maîtres du nord tentent leur chance au sud…

Dans cet environnement où chacun joue sa survie chaque jour, Sita, une splendide femelle guépard, tente d’élever seule ses petits.

Au fil des saisons, tous ces destins vont se croiser à travers une histoire qui n’est ni inventée ni mise en scène, mais captée comme jamais auparavant, de sa bouleversante intimité à sa spectaculaire beauté.

 

 

 

 

 

 

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Pays Maasaï où coule la rivière Mara

 

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Guerrier Maasaï: beauté et grandeur de l'homme qui sait rester petit...

 

 

 

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Les réalisateurs du documentaire Félins ont posé leurs caméras dans la Réserve nationale du Masaï Mara au Kenya.

Ce lieu tire son nom de la tribu qui vit sur ces terres, les Masaïs, et de la rivière qui les traverse, un cours d'eau appelé Mara, comme la jeune lionne héroïne du film.

 

 


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Les anciens délivrent aux enfants des connaissances concernant les plantes, les animaux, mais aussi les usages et l’histoire de leur peuple.

Les garçons masaï deviennent de jeunes guerriers ou morane vers l'âge de quinze ans. Un ancien leur apprendra le maniement des armes, les chants de guerre, les danses traditionnelles. Différentes cérémonies initiatiques accompagnent le passage des jeunes Masai mâles à l’âge adulte. Le plus important est la circoncision, qui peut être pratiquée au même moment pour de nombreux individus. Ces personnes appartiennent dès lors à une même classe d’âge. Les jeunes garçons ne doivent ni faire de bruit, ni bouger durant la cérémonie.

Il a été dit que chaque jeune devait tuer un lion avant sa circoncision : il s’agit d’un mythe véhiculé notamment dans le cadre de l’industrie touristique. Il est vrai toutefois que tuer un lion permet d’acquérir célébrité et prestige au sein de la communauté.

Après le rite de circoncision, les jeunes guerriers partent vivre en groupe dans un village spécialement construit pour eux (manyatta), loin de l’univers féminin. Ils ne pourront se marier qu’une fois qu’ils seront devenus des guerriers adultes.

L’accès à la puberté des jeunes filles est marqué par une cérémonie durant laquelle les femmes âgées pratiquent l’excision de celles-ci. Le gouvernement kenyan et différentes ONG ont tenté d’éradiquer cette pratique.

 

 

 

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Le tournage des images de Félins a demandé près de deux ans et demi à l'équipe du film ! Il faut dire que les principaux acteurs n'étaient pas du genre à se présenter à une heure fixe devant les caméras des réalisateurs. Pendant ces deux ans, seule une vingtaine de jours a offert à l'équipe du film des "événements extraordinaires", selon le réalisateur Keith Scholey.


L'une des étapes les plus décisives de la production de Félins a été le choix du casting...

Le co-réalisateur Alastair Fothergill revient sur ce moment : "Le choix des animaux était notre mission la plus difficile. Une fois décidés sur un félin, nous devions le suivre jusqu’au bout du tournage. Dans le rôle du guépard, il nous fallait une femelle assez mature et assez vigoureuse pour avoir une chance de la voir élever ses petits jusqu’à l’âge adulte", le metteur en scène Keith Scholey complétant : "Pour les lions, nous cherchions une troupe légèrement atypique. Il fallait qu’une aventure puisse naître de ce groupe."

 

 


 

En débutant la réalisation de Félins, Keith Scholey ne pouvait pas suivre à la lettre un scénario, en raison de son casting composé d'animaux sauvages. Cela n'empêche pas ce film documentaire d'être aussi fort qu'un long métrage traditionnel, comme l'explique le réalisateur : "Un grand film suppose de grands rôles, et les fauves africains sont de véritables héros qui traversent des épreuves d’une extraordinaire intensité dramatique. Ce sont des stars de cinéma en puissance ! Dans ce film, nous avons pu montrer la vraie vie d’un "roi lion" avec autant d’émotion, d’humour et de rebondissements que dans n’importe quel film hollywoodien."

 

 

 

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Alastair Fothergill, qui a co-réalisé Félins, est l'un des réalisateurs de documentaires animaliers les plus reconnus de la planète. Il a réalisé ou co-réalisé diverses séries et longs métrages, dont Un jour sur Terre (et la série qui en est à l'origine, Planète Terre), La Planète bleue, et il s'occupe actuellement d'un film sur les Chimpanzés.

 

 


 

Même s'ils ont la chance de vivre dans une réserve protégée, les héros de Félins sont les porteurs d'un message sur la protection et la sauvegarde de la faune, dont l'équilibre est parfois menacé. Keith Scholey expose sa démarche :


"Ce serait formidable que les spectateurs réfléchissent à cette question. Mais le but du film est avant tout de susciter l’intérêt pour ces créatures remarquables. Il faut que les gens comprennent leur mode de vie en se projetant dans leur monde."

 

 

 

 

 


Afin de capter chaque mouvement lors de la course des guépards, les réalisateurs de Félins ont utilisé une caméra à grande vitesse (Phantom), pouvant filmer jusqu'à 450 images par seconde !

 

 

 

 

 


A la narration de Félins, on retrouve Pascal Elbé.

En découvrant le film, l'acteur-réalisateur de Tête de Turc a été touché par ces animaux sauvages : 

"J’ai été impressionné par la beauté des images, mais surtout par la force des destins des félins. Ces animaux sont magnifiques et il est frappant de voir à quel point les enjeux qui sont les leurs nous renvoient directement à notre propre humanité. Il est question de sacrifice, de choix, de courage, de liens bouleversants. Leur histoire nous parle très directement". Dans la version américaine de, c'est Samuel L. Jackson qui accompagne les images de ce documentaire.

Le générique de fin de  crédite des animaux sauvages à des postes techniques, comme s'ils étaient des membres de la production : on retrouve par exemple une girafe comme opérateur de grue !

 

C'est le dernier film en date portant le label Disneynature. Ce documentaire a été annoncé en 2008, lors du lancement du label, avec plusieurs autres projets, qui ont vu le jour depuis : Les Ailes pourpres : le mystère des flamants, Pollen, etc.

Après les lions et les guépards, Disneynature proposera en 2013 un nouveau documentaire, consacré aux Chimpanzés.

La critique rugit de plaisir...

Félins a remporté un Prix Spécial du Jury lors de l'édition 2011 du Jackson Hole Wildlife Film Festival, une manifestation récompensant les meilleurs documentaires consacrés à l'environnement.

 

 

 

 

 


Don Hahn, le producteur exécutif de Félins, a auparavant produit le dessin animé Le Roi Lion. Il a aussi été producteur exécutif de deux autres productions Disneynature, Un jour sur Terre et Océans.

 

In Allociné; Secrets de tournage.

 

 

 

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11 février 2012 6 11 /02 /février /2012 15:07

 

 

 

  France Bernadette Sagols panorama sourire

 

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  "On ne m'a pas demandé de vous convaincre, on m'a demandé de vous le dire".

 

 

 

 

Entre les mois de février et juillet 1858, dans la Grotte de Massabielle, la Vierge est apparue dix-huit fois à Bernadette Soubirous, petite fille misérable de Lourdes. Une véritable "révolution" mariale qui, au cœur du Second Empire (1852-1870) , scientifique et industriel, miltaire et conquérant, positiviste et sceptique, bousculera l’ordre établi par son message universel d’amour et de prière.

 

"Dieu ne se révèle qu'aux petits".

 

 

France-Bernadette-Sagols-panorama-sourire.jpgLe Ciel

 

 

 

France-Bernadette-Sagols-panorama-angoisse.jpgLa Terre

 

 

 

 

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L'Eau

 

 

 

 

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Le Feu

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

C'est un projet que vous avez initié, un personnage qui vous attirait, une histoire qui vous interpellait ?

Absolument pas, c'est un projet qui s'est présenté de façon indirecte à l'origine, par le biais d'un ami qui avait déjà produit en 1987 le film de Jean Delannoy, Bernadette. Comme il y avait eu en 1943 le film de Henry King, Le chant de Bernadette, avec Jennifer Jones, il s'est dit qu'il fallait revenir sur ce thème régulièrement, se tourner vers une nouvelle génération ne connaissant pas ou peu Bernadette Soubirous. Pour différentes raisons qui me sont personnelles, je me suis alors demandé ce que j'allais pouvoir proposer, ce qui m'intéressait de montrer au travers de ce personnage. Je ne voyais pas comment me positionner par rapport à ce sujet. Il était hors de question pour moi de reprendre le scénario de Jean Delannoy, je voulais tourner un nouveau film. Je leur ai proposé d'écrire un scénario avec Serge Lascar, de raconter ce récit à notre manière, de sortir du conte et d'imposer notre opinion, tout en respectant la symbolique de cette figure de la religion.

 

 


 

 

Quelle fut alors votre approche, que vouliez-vous faire ressortir de cette histoire ?

Il y a une phrase qu'elle a prononcée qui nous a beaucoup frappé: « Je ne suis pas là pour vous faire croire, je suis là pour vous dire ». Ce n'est pas un prêche, elle ne s'est pas servie de sa vision, elle ne l'a pas revendiquée pour se mettre en avant et pour imposer sa parole. Elle a simplement raconté ce qui s'était passé. Elle a parallèlement précisé « qu'un miracle ne s'explique pas, il se vit ». Nous sommes partis du postulat que c'est elle qui fait vivre cette histoire, qu'elle en est le moteur et nous nous sommes beaucoup centrés sur la façon dont elle a affronté l'opinion, les pouvoirs publics et l'église, à une époque où Napoléon III venait de promulguer un arrêté sur les écoles défendant la laïcité. Cette histoire a du coup pris une ampleur extraordinaire et Bernadette a défendu avec force sa position. C'est peut-être cela le miracle, cette force qu'elle ne pouvait pas avoir naturellement, à travers quelque chose qu'elle a ressenti. Est-ce effectivement de l'ordre du ressenti, est-ce une vraie vision ? Je ne suis pas là pour y répondre, je ne le sais pas. Ce qui nous intéressait, c'était cette volonté qui fut la sienne, je ressens quelque chose, je vois quelque chose, je vous le dis, point final et ne cherchez pas à me perturber, ne cherchez pas à vouloir me faire dire le contraire.

 

 

 


 

 

Sur quels éléments vous êtes-vous appuyés pour construire le scénario ?

Tout est réel, nous nous sommes reposés sur les huit livres écrits par l'abbé Laurentin. Il a consacré une grande partie de sa vie à recueillir tous les documents existants autour de cette histoire, il a tout décortiqué, avec une grande honnêteté, sans passer sous silence certains faits, notamment, par exemple, les réactions des religieuses qui se sont montrées assez violentes à l'égard de Bernadette lorsqu'elles l'ont recueillie. La seule chose que nous avons redessinée par rapport à la réalité, ce sont les personnages des deux journalistes. Nous voulions représenter, au travers de leur présence, une forme d'actualité, un agnostique, un trublion face à un jeune qui sera bouleversé par Bernadette, dont la présence le renvoie à sa propre histoire. Cette parenthèse nous permettait également de montrer comment la « folie » et la dépression étaient alors traitées. Ces deux journalistes nous donnaient également la possibilité de répondre à certaines questions que l'on peut se poser, comme se demander logiquement si sa vision n'était pas tout simplement une forme de transe.

 

 


 

 

 

Vous avez été surpris, saisi par cette destinée atypique ?

Complètement et j'ai été saisi surtout par le tempérament de Bernadette, c'est d'ailleurs ce qui m'a donné envie de raconter son histoire. Aujourd'hui nous perdons de plus en plus nos repères, et pas seulement nos repères religieux. Bernadette n'avait pas l'instruction voulue pour ancrer sa vision dans la structure de la religion, elle disait d'ailleurs avoir vu une « dame », pas la vierge et j'ai été surpris par sa volonté, sa position face à ceux qui ont tenté de la faire plier, qui ont été submergés par ce qu'elle leur lançait en pleine figure. Elle a tenue tête à l'église, qui, analysant un miracle, ne savait pas comment le gérer, aux pouvoirs publics, au commissaire qui voit sa commune de 4000 habitants envahie par une horde, prés de 500 000 personnes, au procureur du Roi, qui a reçu l'ordre formel de tout faire arrêter. Comment pouvaient-ils se comporter face à elle, pouvaient-ils recevoir sa vision ? Elle est toujours restée ferme face à eux, leur a renvoyé son regard perçant et je pense que sa force a beaucoup troublé ceux qui l'ont approchée. En ce sens c'est un personnage puissant et c'est sa conviction qui nous a motivé avec Serge, l'envie de dire aux jeunes d'aujourd'hui ne déviez pas, allez jusqu'au bout de vous-même, de vos envies, de vos projets. Alors que Serge est juif et que si j'ai reçu une éducation catholique, je ne suis pas pratiquant, nous avons été littéralement portés par cette figure, par cette histoire et les incroyables pistes qu'il en ressortait. C'est un personnage qui dépasse les codes de la religion.

 

 


 

 

Par rapport à la religion justement, par rapport à votre propre position, comment avez-vous tranché la problématique des visions de Bernadette, leur représentation ?

Nous en avons beaucoup parlé avec toute l'équipe. Henry King a choisi de montrer ces visions, Delannoy les a contournées. Nous avons imaginé les projeter au travers de ses yeux, mais c'était une approche trop personnelle. Nous avons finalement choisi de les placer dans une sorte de grande blancheur, une lumière violente. Je ne voulais pas tricher sur son regard, vraiment montrer qu'elle voyait quelque chose que les autres ne voyaient pas. Ne rien montrer sous-entendait que nous partions du principe qu'elle ne voyait rien, ce qui me gênait dans le film de Delannoy. Je voulais la faire entrer dans une forme de transe, ce qui marchait assez bien dans le film d'Henry King, mais leur approche me semblait également beaucoup trop réaliste.

 

 

Qu'est-ce que vous recherchiez au-delà comme atmosphère générale ?

     

Nous avons tourné au  
Portugal où nous avons, presque naturellement, trouvé cette atmosphère d'époque que nous ne pouvions recréer avec des décors. Je ne recherchais pas forcément une forme de froideur, plus un éclairage assez tamisé, lié à ces atmosphères issues de l'éclairage des bougies. Pour l'ambiance musicale je recherchais une certaine forme de lyrisme.

 

Qu'est-ce qui vous a amené à choisir Katia, qu'est-ce qui vous a séduit dans sa personnalité ?

Elle avait un côté tranché, buté qui me plaisait. Elle est très carrée et en même temps convaincue. Je la voulais dans son naturel, sa simplicité, je lui ai juste demandé de s'approprier une forme de gestuelle physique. Ce qui m'a séduit c'est son regard, il fallait que l'on ressente une forme de magie et devant la grotte elle est lumineuse. C'est intéressant qu'elle ne soit pas connue, il ressort d'elle une innocence, elle apparaît soudainement, comme Bernadette, elle surgit sur nos écrans.

Qu'est-ce qu'il vous reste de cette aventure ?

 

 


 

J'ai changé, vraiment, sur un plan personnel. Je ne peux plus rester indifférent aujourd'hui à ce que propose l'histoire de cette fille. Pour moi Lourdes c'était Mocky, du mercantilisme... Lorsque je suis allé à Lourdes pour les premiers repérages, j'étais avec les producteurs, il faisait très chaud, nous nous sommes assis en fin de journée et nous avons vu tout un cortège de malades, poussés par des jeunes, qui remontaient de la procession. Ils sont passés devant nous et nous avons été stupéfiés par leur sourire, par les signes de bonheur qu'ils       nous adressaient. J'ai eu le sentiment que c'était ça le vrai miracle de Lourdes, ce qu'il reste de Bernadette, cette intensité, cette vigueur qu'elle avait en elle, qu'elle insuffle à ces personnes, croyantes ou non croyantes.

Propos recueillis par Sophie Wittmer

(in excessif)

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...Jeudi 25 février;

 

"Alors le boiteux bondira comme le cerf et la langue des muets sera déliée...Parce-que les eaux se sont répandues dans le désert...".

 

A l'aube, il y a encore quatre ou cinq cents personne à Massabielle: des ferventes, comme Emmanuélite Estrade , des sceptiques bienveillants, comme son frère des négateurs malveillants, comme Mme Jacomet, la femme du commissaire.

Melle Lacrampe, -Elfrida- était, elle, une femme de tête, et pieuse avec sévérité. Elle estimait "peu recommandable" l'entourage de Bernadette, et les Estrade durent beaucoup insister d'aller voir avant de juger.

De prime abord, tout lui déplut; surtout que Bernadette fendit la multitude en disant: "Laissez-moi passer"! d'un ton que plus d'un trouvait impatient...

Il faut reconnaître que, pour un esprit prévenu, critique, coriace, le 25 février, en apparence, n'était pas un bon jour. Ce jour-là, à genoux, Bernadette se mit à gravir et à redescendre la pente qui menait à l'intérieur de la grotte. "Je ne vis là qu'une agitation ridicule, car elle me semblait sans objet", commenta Elfrida, tandis que d'autres témoins étaient touchés aux larmes par la dignité que gardait l'enfant.

La grotte n'était pas alors aussi profonde qu'aujourd'hui: du sable amoncelé, obligeaient à se plier en deux pour qui voulait y pénétrer. C'est pourquoi Bernadette s'arrêta; elle regarda alors du côté de l'Apparition qui se tenait dans la cavité communiquant avec la niche. Alors, on la vit se courber jusqu'à terre, gratter le sol, et reparaître le visage barbouillé de boue....

La foule poussa un "oh...!" consterné. Et quand elle arracha trois touffes d'herbe qu'elle mâcha et avala. Des femmes se voilèrent la face avec leurs mains.

 

 

"On la vit s'essuyer avec un mouchoir, d'autres disaient avec son jupon et revenir à sa place : "Elle est folle!...".
Les plus bienveillants éprouvaient une tristesse profonde: quoi, ces sourires, la petite figure ordinaire transfigurée en visage céleste, les beaux récits, le majestueux signe de croix, tout cela n'était-il que dérangement de l'esprit? 
Quant aux malveillants, ils triomphaient.
Rien ne manqua de ce qui pouvait fournir argument à leur malignité: lorsque Bernadette se fut à nouveau agenouillée, elle glissa la main sous son serre-tête et se gratta longuement et ostensiblement; en fait, la vermine pullulait dans le cachot qui servait de logis aux Soubirous.
Melle Elfrida fit remarquer ce geste à Melle Emmanuélite: " Et vous voudriez me faire croire que cette fille-là voit la Vierge!"."
in Bernadette; Marcelle Auclair, 1977, Bloud & Gay, Paris.

 

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Chasse de Bernadette à Nevers 

 

 

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21 janvier 2012 6 21 /01 /janvier /2012 19:53

 

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20-21 juin 1791, de Paris  à Varennes-en-Argonne...

 

 

Louis XVI (1754-1793; roi de France et de Navarre de 1774 à 1791, puis roi des Français jusqu'en 1792; guillotiné à Paris le 21 janvier 1793) fuit à bord d'une berline pour gagner la frontière du nord-est.

 

Sur le même chemin, le destin a réuni de bien curieux personnages. L'écrivain révolutionnaire Restif de la Bretonne ( 1734-1806) est face à un  Giovani Casanova (1725-1798), mémorialiste et séducteur vieillissant entouré de royalistes en fuite.

 

A Varennes, Louis XVI et la reine sont arrêtés...

 

 

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Palme d'Or :Ettore Scola

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Nommé Grand Prix: Ettore Scola

 

Nommé Prix de la mise en scène: Ettore Scola

 

Nommé Prix du Jury Œcuménique: Ettore Scola

 

Nommé Prix de la Jeunesse: Ettore Scola

 

Nommé Prix de la meilleure contribution artistique au Festival International du Film

 

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La fuite de Louis XVI à Varennes filmèe remarquablement par Ettore Scola!

 

Une occasion pour le rèalisateur du "Bal" de plonger dans une èpoque riche en èvènements et comportements divers! Une vraie comèdie humaine et quel casting: Marcello Mastroianni poudrè et dèsabusè, Hanna Schygulla en Comtesse Sophie de la Borde, en passant par Jean-Louis Barrault, Harvey Keitel, Jean-Claude Brialy, Andrèa Ferrèol et Laura Betti!

Un carrosse emmène Casanova, Restif de la Bretonne et quelques autres vers l'est...

D'ètape en ètape, ils apprennent qu'un autre carrosse, mystèrieux, les prècède! Scola et son scènariste Sergio Amidei inventent une ingènieuse histoire où chacun des personnages va se rèvèler! Sûrement l'un des films les plus passionnants et les plus intelligents sur notre "Rèvolution"...

 

Chrischambers86 sur Allôciné

 

 

 

 

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Le 26 août 1789, le roi valide de sa signature une Déclaration des Droits de l'Homme dont il sait  d'avance qu'elle  sera violée...
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Certes, le film d'Ettore Scola a beaucoup plu.
Sorti en 1982, en pleine euphorie de la récente victoire de la Gauche, il tombait à pic pour galvaniser l'esprit républicain de tout un  peuple,  pour qui la Révolution française est comme la Genèse d'une France nouvelle, d'un ordre nouveau, d'un peuple régénéré, "après des siècles de servitudes"...
Mais La Nuit de Varennes, nonobstant toutes ses qualités artistiques, gomme habilement certains aspects historiques.
En  juin 1791, la Monarchie constitutionnelle traverse une crise institutionnelle majeure: le pouvoir exécutif, incarné par le roi, est bloqué. En fait, Louis XVI est prisonnier d'une faction  de révolutionnaires extrémistes qui ne respecte pas le nouveau jeu constitutionnel institué par les modérés. Voila pourquoi, après maintes protestations, Louis décide de quitter Paris, plaçant ainsi ses opposants au pied du mur et les obligeant à mettre bas leurs masques et à dévoiler leur vrai visage...
Dés lors, pour Louis XVI et huit siècles de monarchie capétienne, la véritable fin du "voyage à Montmédy" se situera à Paris, place de la Révolution,  par un matin glacial du 21 janvier 1793...
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France Briali nuit-de-varennes-1982


 
Jacques Brialy est Monsieur Jacob: comme beaucoup de serviteurs fidèles de cette époque, il éprouve un dédain instinctif pour la Révolution...
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Le grand Mastroianni en Casanova vieillissant: pour lui, il est hélas clair qu'un monde est en train de mourir; dans le nouveau qui nait, il n'y aura   pas de place pour les Casanova : le temps des excités et des  assassins a sonné.
"Dans ma douce France d'antan, personne ne m'aurait interdit de parler avec autant d'insolence..."

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France-Nuit-Varennes-Malet-et-M.Madeleine.jpg Pierre Malet joue le rôle du jeune idéaliste exalté, préfigurant "une France régénérée par la mixité socio-culturelle et le métissage".

Armoiries France royale
Grandes Armoiries de France
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Louis XVI (1754-1793; roi de France & de Navarre  de 1774 à 1792) au début de son règne.

Il a rappelé les parlements exilés par Louis XV, qui ont  l'intention de bloquer ses réformes afin de moderniser la Monarchie. Ce sont donc bien les privilégiés qui déclenchent le processus révolutionnaire. En outre, l'aide exaltante mais imprudente, aux Insurgés américains a vidé les Caisses de l'Etat et le système financier et fiscal de la France demeure archaïque.
 Ni Louis XVI, ni son entourage, ni ses conseillers, ne sont  préparés à la tempête économique, sociale, religieuse et politique qui se lève.
Louis l'affrontera quand même avec courage. 
France-Palais--Tuileries.jpg Le palais des Tuileries où réside le roi depuis octobre 1789, emmené de force par la populace afin que la monarchie soit à nouveau au milieu des gens et non plus repliée à Versailles dans un cocon doré.

En mars 1791, il y a déjà plusieurs mois que Louis veut quitter Paris et retrouver sa liberté. Mais les projets qui lui étaient soumis ne lui convenaient pas. Or, il a maintenant son projet à lui, très différent de ceux de ses conseillers et partisans. Il n'ira ni à Fontainebleau, ni à Compiègne, ni à Autun. Il gagnera une place de guerre sur la frontière. L'opération sera mise au point dans le secret le plus absolu. Sauf un petit nombre d'intimes, nul ne sera mis au courant. Même des royalistes dévoués comme Malouet ne seront pas dans la confidence. Louis, déjà sans illusions depuis 1789, sur l'idée de loyauté à sa personne,  a définitivement appris à se méfier.
De quand date ce projet du roi? Dans ses grandes lignes, du mois de janvier. En février, Breteuil  est informé. Dans le même mois, une collaboration précieuse est acquise, celle de Bouillé, l'homme qui a réprimé la révolte de Nancy. La place de guerre est choisie; c'est le choix de Bouillé: le roi rejoindra  Montmédy, garnison sûre à proximité de la frontière autrichienne. Il est prévu d'y réunir  une force militaire importante. Le roi laissera aux Tuileries une déclaration aux Français, justifiant son départ. Tout se met donc en place. Deux ponts ne sont pas encore fixés: les modalités de l'évasion des Tuileries et la date de départ.
Il ne faudrait pas tarder, mais on tarde. Le roi et la reine -qui agissent en plein accord dans toute cette affaire- ne veulent pas se lancer dans l'aventure sans l'approbation et le soutien des cours étrangères. Or, les courriers mettent du temps, et les cours sont assez lentes à réagir. Cependant, le mois d'avril est décisif.
Deux évènement se produisent alors, qui incitent Louis XVI à presser les préparatifs, et à fixer une date assez proche: la mort de Mirabeau le 2 avril et la manifestation populaire du 18 avril qui empêche le roi de partir à St Cloud.
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  Honoré Gabriel Riqueti,comte de Mirabeau (1749-1791)
Orateur et homme politique, franc-maçon, doté d'une laideur et d'une intelligence fascinantes,il écrivit des pamphlets sur l'absolutisme royal; acquis aux idées nouvelles et favorable à une monarchie constitutionnelle à l'anglaise, lié au clan des Orléans,il fut élu député du Tiers-état car rejeté par la Noblesse. C'est lui qui répondit (23 juin 1789) au marquis de Dreux-Brézé demandant aux députés du Tiers de se retirer lors des États généraux (mai 1789): "Nous ne sortirons que par la force des baïonnettes!".
Mais il observa  trop tard avec lucidité que la fin de la monarchie libérerait la violence la plus extrême. Il faisait partie de ces hommes qui utilisèrent leurs talents pour saper les bases d'une société qui allait se déliter dans la guerre civile qu'il essaya d'éviter pendant son mandat de président de l'Assemblée nationale.
Il mourut brusquement en 1791, laissant le champ libre à tous les extrémistes.

Certains voyaient en Mirabeau le meilleur soutien du trône. Ils sont découragés.
Plus grave: la manifestation du 18 avril incite Louis  à ne plus attendre.Ce jour-là, le peu de liberté qui lui reste est encore diminué. Il est empêché de quitter les Tuileries pour St Cloud où il voulait suivre en toute tranquillité les offices de Semaine sainte, célébrés par des prêtres non-jureurs (qui ont refusé de prêter serment à la Constitution en se coupant de Rome). Le lundi saint (18 avril), au milieu de la matinée, au moment fixé du départ, les grenadiers de la Garde nationale se mettent à la tête des chevaux et bloquent la voiture. Rien ne les fera céder. Sur la place du Carrousel, une foule nombreuse (spontanée?) hurle des encouragements aux grenadiers et des menaces à la Famille royale. Le roi renonce à partir. Le "voyage" de St Cloud n'aura pas lieu. Louis XVI vient de payer dans cette malheureuse affaire sa sympathie pour les prêtres non jureurs. Les "patriotes "l'accusent de duplicité. D'un côté, disent-ils, le roi sanctionne les décrets sur le Clergé; de l'autre il suit les cérémonies célébrées par les prêtres non-jureurs, restés fidèles au pape et qui désobéissent aux mêmes décrets. Cela est intolérable!
France grenadiers garde fayette

D'ailleurs en ce mois d'avril, la fureur "patriotique" se déchaîne contre les prêtres réfractaires. Étrange, cette fureur contre une infime partie des Français qui ne représentent aucun danger, si l'on sait que le royaume traverse une crise politique, sociale et morale majeure. Nous sommes alors dans une situation de pré-  guerre civile.Le 17 avril, Dimanche des Rameaux, la foule des clubs (sectes philosophiques qui constituent des lobbies) a empêché les fidèles d'assister à une messe, pourtant autorisée, célébrée dans l'église des Théatins par un prêtre non-jureur. Mais les "patriotes" ne sont pas tolérants. Selon eux, les "fanatiques" ne méritent pas la tolérance. Le roi, "fanatique" aussi, ne la mérite pas. C'est tout le sens de la manifestation du 18 avril.
Louis XVI émet une protestation; une de plus. Le 19, il vient à l'Assemblée pour y prononcer un bref discours en trois points; le premier concerne sa liberté: "Il importe à la Nation, de prouver  que je suis libre". Sous-entendu: je ne le suis pas.
Le second point concerne son "voyage" à St Cloud; il n'y renonce pas: "Je persiste dans mon projet de voyage à St Cloud". Sous-entendu, laissez-moi partir.
Le troisième point est une nouvelle déclaration de loyalisme: "J'ai juré de maintenir cette Constitution dont la constitution civile du clergé". Autrement dit, ne me confondez pas avec les fanatiques.
L'Assemblée accueille le roi avec tous les signes extérieurs de respect; mais il n'est pas question de voyage à St Cloud. L'Assemblée ignore la requête du roi; elle fait comme s'il ne l'avait jamais formulée, comme si  elle ne l'avait pas entendue.
France buste Louis XVI-copie-1

Un des rares bustes de Louis XVI conservé en France; celui-ci se trouve au château de St Germain en Laye.
En fait, l'Assemblée ne connaît qu'un seul roi: le "bon roi"; celui qui est de coeur avec la Révolution. S'il n'est pas favorable à la Révolution, alors il n'est plus le roi, et même il n'existe plus du tout.
Louis a compris; il a mis du temps, mais cette fois il a pris conscience qu'il n'est en réalité qu'un pantin aux mains de politiciens. Il entre dans son rôle de "bon roi" et ne demande plus rien; il préfère garder son énergie pour plus tard, pour des actes.
En lui-même, il conserve ses convictions; il veut avoir la paix pour préparer son évasion.
Quatre personnes seulement sont dans le secret: Fersen, Bouillé, Breteuil et Mercy.
Fersen s'occupe du voyage, Bouillé de la préparation militaire, Breteuil de la préparation diplomatique et Mercy de la liaison avecc l'Empereur.

France-Hans_Axel_von_Fersen--1755-1810-.jpgHans Axel comte de Fersen (1755-1810); il participa à la guerre d'indépendance américaine sous les ordres de Rochambeau. Très amoureux de la reine Marie-Antoinette, il favorisa la fuite de la famille royale, tout en sachant pertinemment que si elle échouait, ce serait une tragédie non seulement pour le roi et la reine mais pour tous les Français...

Consultées, les cours étrangères se déclarent favorables au projet. Le problème épineux est celui du financement. Il faut quinze millions. L'Empereur est sollicité, mais il fait la sourde oreille. Louis décide de prélever sur sa liste civile. Un premier million est envoyé à Bouillé le 27 mai. Enfin, l'itinéraire est définitivement arrêté: Meaux, Châlons,Verdun; arrivé à Ste Menehould, il obliquera vers le nord, Varennes, Stenay, Montmédy. Bouillé qui l'a préparée est très satisfait de sa route; il dit que c'est la plus courte et la plus sûre...Il prévoit aussi tout un dispositif militaire. Pas question de ne pas escorter le roi. A partir de Châlons plusieurs détachements seront postés de loin en loin pour attendre la voiture royale et l'accompagner.Arrivé à Montmédy, destination finale, Louis doit y trouver, réunis par le même Bouillé, un régiment étranger-Bouillé Infanterie-, douze bataillons allemands, quinze escadrons de cavalerie étrangers et corps d'artillerie, bref une véritable petite armée.

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Un concours militaire de l'Empereur est souhaité, ou du moins la possibilité pour le roi de prendre à son service des soldats autrichiens. Mais Léopold n'est pas plus décidé à donner des soldats que de l'argent.
Il reste à désigner les personnes qui accompagneront la famille royale. Elles seront au nombre de six: la marquise de Tourzel, gouvernante des Enfants de France, montera dans la voiture royale; trois gardes du corps escorteront cette voiture. Deux femmes de chambre, Mmes de Neuville et Bruyner, suivront dans une chaise de poste.
Début mai tout est en place; il n'y a plus qu'à passer à l'action. Bouillé insiste: il ne faut pas tarder. Plus on attend, plus le secret risque d'être éventé.
Mais on attend jusqu'au 21 juin. D'abord à cause de l'argent. Début juin, on a rassemblé quatre millions, mais deux sont encore nécessaires.Or, le roi ne touche sa liste civile que le 7 ou le 8. On fixe le départ au 12. Mais Bouillé provoque un nouveau retard. Il demande un délai pour donner aux Autrichiens le temps de renforcer leur cordon de troupes au Luxembourg. Du 12, on passe au 19, et du 19 au 20 à minuit,  parce-qu'une femme de chambre du dauphin est "démocrate", et ne quitte son service que le 20 au matin. Evidemment, ces retards successifs ne peuvent que nuire au secret. Il est fort possible que certaines personnalités, par exemple La Fayette, aient eu connaissance du projet...

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L'équipée des 20 et 21 juin est désignée par les historiens sous le nom de "fuite de Varennes" à cause du lieu de l'arrestation, mais Louis XVI n'emploiera jamais cette appellation; il dira toujours "mon voyage à Montmédy".
Nous avons de ce voyage et du retour à Paris plusieurs relations détaillées qui permettent d'en suivre le déroulement heure par heure. On utilisera ici les récits de deux témoins directs, compagnons de voyage du roi, la marquise de Tourzel et François Melchior de Moustier, capitaine aux gardes du corps choisis pour escorte.

Il fallait commencer par sortir des Tuileries.
Opération délicate , la garde nationale surveillant le château jour et nuit. Le 20 juin, entre neuf heures et minuit, les membres de la famille royale sortent les uns aprés les autres. Ils sont accompagnés par Fersen et les trois gardes du corps. Ceux-ci ont chacun leur mission : déguisé en cocher, Fersen attend sur la place du Carrousel avec un fiacre. Il est chargé de conduire la famille royale jusqu'à la Porte St Martin, dés qu'elle sera sortie du château. Le garde du corps François Florent de Valori est parti à cheval vers Bondy où il attendra les voyageurs. Quant à François Melchior  de Moustier, il a la garde des sacs de nuit. Il les installe dans la berline et conduit cette voiture jusqu'à la porte St Martin...
in Louis XVI, le roi Bienfaisant; Jean de Viguerie, éditions du Rocher, 2003.pp 308-309. 

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Après moultes péripéties: arrestation de Louis XVI à Varennes (peinture du XIXème siècle).
"Il n'y a plus de roi en France"
La tentation d'évasion a échoué; pourquoi?
La raison principale a été la vigilance des Révolutionnaires: les directoires des districts, les municipalités et les gardes nationales. Depuis des mois, ces autorités étaient maintenues  par les directives de l'Assemblée et par les clubs dans un état d'alerte permanent. On ne cessait de leur répéter que la Révolution était en danger, que les aristocrates complotaient, qu'il y avait de "mauvais militaires"... les officiers étaient convoqués; on leur faisait crier: "Vive la Nation!" et non plus "Vive le roi!".
A Ste Ménéhoulde, à Clermont, à Varennes, partout ce même scénario s'est répété sans la moindre variante et lorsque la berline royale est arrivée, il n'y avait plus de soldats dévoués au roi. La vigilance "patriotique" a rendu l'action militaire impossible. L'indiscipline des troupes et leur médiocre moral n'ont pas été sans effet. Bouillé avait tout prévu, sauf la négligence et l'insubordination. Or, les historiens le savent, certains de ses ordres n'ont pas été exécutés; entre autres celui de confier le commandement des détachements à des premiers capitaines. Au lieu de cala, on l'a donné à des jeunes gens inexpérimentés. Exemple: le détachement des hussards de Lauzun qui devait attendre le roi à Varennes était commandé par un sous-lieutenant de vingt et un ans tout nouveau dans le service.
France--Affiche-recrutement-fusiliers-marins.jpgAffiche pour le recrutement de fusiliers marins à la fin du règne de Louis XV.
En 1781, Louis XVI signe une ordonnance fatale: il aurait ainsi commis  l'erreur de reserrer la sélection des sous-officiers et officiers en faveur de la noblesse, au lieu d'ouvrir l'armée royale  aux hommes du peuple et ainsi de les fidéliser.

Bouillé n'avait pas pensé non plus à la propagande et à la pression idéologique. Or, les détachements qu'il avait postés sur la route  ont été très facilement retournés. Il a suffi pour cela de quelques exhortations des municipaux et de quelques menaces de gardes nationaux. Exemple: Clermont; les cent soixante dragons du détachement ont tous refusé d'obéir à leur commandant, le comte de Damas, à la suite d'une intervention de la municipalité. Les chefs eux-mêmes n'ont pas beaucoup résisté: delon leurs propres aveux, Choiseul et Guoguelat, commandants du détachement posté à Pont-de-Sommevel, ont eu peur d'un mouvement populaire et, pour ne pas attirer l'attention des "patriotes", ont abandonné leur poste deux heures avant le passage du roi.
Bouillé n'a pas voulu savoir qu'en réalité l'armée n'était plus attachée au roi. Et louis XVI avait confié son avenir et celui du royaume de Franceà ce chef inconscient et à cette armée qui ne lui appartenait plus.
En allant à Montmédy, Louis XVI allait vers quelque chose qui n'existait plus...
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Retour de la famille royale à Paris...Les autorités dépitées feront tout pour accréditer auprés du peuple la thèse d'un enlèvement; en vain...

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Paris, 23 juin 1791

...Vous m'avez demandé de vous marquer exactement les nouvelles. Le roi et sa famille sont partis dans la nuit du lundi au mardi. Monsieur (le frère du roi, futur Louis XVIII) et Madame sont partis en même temps du palais du Luxembourg.L'on ne s'est aperçu de cette fuite que le mardi à huit heures du matin, vous jugerez du petit mouvement que cela a occasionné dans Paris. L'Assemblée a fait venir les ministres, leur a ordonné de se passer de sanction et d'exécuter les décrets. Toute la journée du mercredi s'est passée de même, dans une extrême agitation et sans autre désordre que celui de plusieurs personnes un peu battues et menacées d'être pendues. Enfin, à onze heures du soir, l'on a reçu la nouvelle que le roi , la reine et leurs enfants ont été arrêtées à Varenne, village à 4 lieues de Stenay et six des frontières. Des dragons que Monsieur de Bouillé avait envoyés pour protéger leur passage ont été désarmés ou plutôt se sont rangés pour le peuple. L'Assemblée a envoyé messieurs Pethion, Barnave et Latour Maubourg avec de très amples pouvoirs pour ramener le roi à Paris et arrêter monsieur de Bouillé. [ ...] Tous ces évènements ne peuvent avoir que de terribles suites...

Extrait; Lettre envoyée à son épouse réfugiée à Londres par monsieur Gaston de Lévis, comte de Mirepoix, député de la Noblesse à l'Assemblée, in Ecrire la Révolution, "Lettres à Pauline, éditions La Louve; 2011.



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17 janvier 2012 2 17 /01 /janvier /2012 20:48

 

 

"Mon ami, pour l'amour du Sauveur, abstiens-toi

De creuser la poussière déposée sur moi.

Béni soit l'homme qui épargnera ces pierres

Mais maudit soit celui violant mon ossuaire".

 

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<SITE OFFICIEL<

 

 

 

 

 

Angleterre shakespeare

 

 

 

Et si les chefs-d'oeuvre de William Shakespeare (1564-1616) n'étaient pas de William Shakespeare?

Si ce grand nom de la littérature élisabéthaine n'avait été qu'un copiste?

C'est sur ce "doute" que le réalisateur Roland Emmerich a bâti un film en forme d'intrigue(s).

Et  si ces "doutes" s'avéraient infondés?

Si ces suspicions reposaient tout simplement sur un malentendu, une parfaite et solide incompréhension d'un génie, qui aurait donc réussi, jusqu'au XXIeme siècle, à dérouter, après ses contemporains,  à encore faire couler beaucoup d'encre et attirer les foules amoureuses du Septième Art...?

 

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"C’est l’une des plus fascinantes énigmes artistiques qui soit, et depuis des siècles, les plus grands érudits tentent de percer son mystère. De Mark Twain à Charles Dickens en passant par Sigmund Freud, tous se demandent qui a réellement écrit les œuvres attribuées à William Shakespeare. Les experts s’affrontent, d’innombrables théories parfois extrêmes ont vu le jour, des universitaires ont voué leur vie à prouver ou à démystifier la paternité artistique des plus célèbres œuvres de la littérature anglaise.

A travers une histoire incroyable mais terriblement plausible, "Anonymous" propose une réponse aussi captivante qu’impressionnante.

Au cœur de l’Angleterre élisabéthaine, dans une époque agitée d’intrigues politiques, de scandales, de romances illicites à la Cour, et de complots d’aristocrates avides de pouvoir, voici comment ces secrets furent exposés au grand jour dans le plus improbable des lieux : le théâtre…".

 

-Allociné-

 

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Italie-Giovanni-Battista-Moroni--1565-68_-Portrait-of-a-Tai.jpg Giovanni Batista Moroni (1565) Portrait of a tailor.

 

 

  Trois cent costumes que la chef costumière, Lisy Christl, et son équipe ont spécialement créés pour les besoins du film ; de la robe sur mesure de la reine Elizabeth aux vêtements portés par les figurants jouant de simples spectateurs de théâtre. La chef costumière n'a pas hésité à effectuer elle-même ses propres recherches sur la mode et les costumes de l'époque via de nombreux ouvrages historiques, afin de coller du mieux possible à cette réalité passée.

 

 

 

 

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Elizabeth Ière (1533-1603; reine d'Angleterre 1558 à 1603);  fille d'Henry VIII et d'Anne Boleyn. Déclarée "bâtarde" à la mort de sa mère, elle eut une enfance triste et studieuse.Devenue reine en 1558, après avoir été rétablie dans ses droits en 1544, elle dut  lutter âprement contre la puissance espagnole. La marine anglaise détruisit l'Invincible Armada de Philippe II; ce fut alors l'époque de la suprématie anglaise sur les mers. Elizabeth Ière, surnommée "la Reine vierge", favorisa le commerce et les arts et son règne (l'ère élisabéthaine) marque l'apogée de la musique, du théâtre et de la littérature anglais. Mais la cruauté avec laquelle elle persécuta les Catholiques, en particulier irlandais, entache un règne long et fastueux.

 

 

 

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La directrice de la photographie, Joan Foster, et Roland Emmerich, le réalisateur, ont puisé leur inspiration visuelle dans les tableaux de Johannes Vermeer et de George de La Tour, deux peintres du 17ème siècle connus pour avoir façonné leurs œuvres à l'aide d'un faible éclairage artificiel. Une volonté de la part du binôme qui voulait "que chacun des plans du film ait l'air d'être tiré d'un tableau".

 

 

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La reconstitution de l'Angleterre du XVIème siècle a eu lieu dans les studios allemands de Balbersberg. Ce ne sont pas moins de 70 bâtiments qui ont été construits pour les besoins du film. Parmi eux s'érige notamment une impressionnante réplique grandeur nature du théâtre de Rose, situé en plein cœur de Londres.

 

 

 

 

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Le premier théâtre en forme de rotonde: le théâtre de Rose à Londres.

 

 

 

 

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L'histoire d'Édouard de Vere (1550-1604), 17e comte d'Oxford, qui dans le film, s'est  avéré être l'auteur de toutes les pièces de William Shakespeare, sur fond de succession du trône de la reine Élisabeth Ière d'Angleterre, entre le clan Tudor et le clan Cecil.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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Edouard de Vere (1550-1604), comte, diplomate et espion (of course).

 

 

 

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L'acteur Ralf Scampe est Shakespeare.

 

 

 

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La très talentueuse Vanessa Redgrave est la reine Elisabeth 1ère.

 

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Derrière la façade pudibonde de la Cour de la "Reine vierge",  chef de l'Église d'Angleterre, la jeunesse aristocratique s'amuse...Parfois à en perdre la tête...

 

 


 

 

Des critiques et des historiens ont tenté d'acréditer la thèse selon laquelle Shakespeare n'aurait été que le prète-nom d'un auteur alors plus illustre, Francis Bacon ou Christopher Marlowe, ou de naissance aristocratique, Edouard de Vere, comte d'Oxford, ou William Stanley, 6ème  Comte de Derby. On peut habiller des connaissances les plus aprofondies ces divagations; néanmoins il y a dans ces hypothèses, parfois ingénieuses ou le plus souvent chimériques, la manifestation d'une incompréhension fondamentale à l'égard de ce génie dont la singularité est d'ignorer les préjugés de caste et les interdits qui en découlent.

Shakespeare est bien le poète inspiré d'une oeuvre immense qui fait toujours l'émerveillement d'un public innombrable.

Aussi bien n'est-il point d'oeuvre dont le catalogue soit plus difficile à établir que la sienne, seize pièces seulement sur les trente sept qu'on lui attribue ayant été publiées de son vivant; et dans des conditions souvent suspectes.

C'est en 1623 que deux de ses amis de la Compagnie des King's Men , Heminge et Condell, publièrent un premier folio qui authentifiait l'oeuvre shakespearienne dans son ensemble. Sacrifiant la chronologie à la logique, ils la répartissaient en comédies, drames historiques et tragédies. L'arbitraire d'une telle classification apparaît vite. Passant outre aux catégories qui nous sont devenues familières, Shakespeare a mené de front, sa vie durant, les trois genres, mêlant en toute spontanéité le rire et les pleurs, la grâce aérienne au réalisme le plus sordide, la noblesse et la générosité au vice le plus noir. 

 

 

Angleterre-Soest-portrait_of_Shakespeare.jpg William Shakespeare (par Johan von Soest ?) est un artiste caché. En définitive, les historiens ne savent pratiquement rien de sa vie privée.
Angleterre Shakespeare-TestamentTestament de William Shakespeare.
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8 janvier 2012 7 08 /01 /janvier /2012 11:52

 

 

 

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Dans le royaume de France, les années 1650...

 

Comment faire un nouveau film sur Molière au cinéma, surtout aprés celui d'Ariane Mouchkine?

Laurent Tirard a imaginé un épisode méconnu où le jeune Molière aurait rencontré les personnages de ses futures comédies...

 

 

 

 

 

 

  Les aventures du film sont de pure imagination.

Les auteurs ont profité d'une lacune dans les biographies de Molière (1622-1673) durant les années 1650: ce dernier aurait disparu plusieurs mois, aprés son échec à Paris comme tragédien. Les historiens savent qu'il parcourt le Languedoc (1645-1658) où il est protégé par le gouverneur de cette province, le puissant Prince de Conti.

Une "disparition" bien pratique pour réécrire l'histoire! Mais le procédé est long à se mettre en branle, et le film est menacé d'échec.

Fort heureusement, il se déroule dans d'authentiques et magnifiques décors classiques et peu à peu, les personnages prennent du relief.

 

 

 

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"On pense beaucoup à l’admirable Libertin avec Vincent Pérez qui tentait de se mettre dans la peau de Diderot, on rit jaune devant Luchini qui, seul, insuffle une épaisseur à son personnage de médiocre conscient, on pleure de rire devant l’hystérie insensée de Ludivine Sagnier en Célimène.

On ne remettra pas en cause le talent de ces acteurs, très mal dirigés, même celui de Romain Duris qui semble s’être perdu dans la fierté de jouer le grand Molière en oubliant que ce dernier ne s’est pas vraiment distingué par une tignasse flottant au vent et des cavalcades dans les jardins (qu’allait-il faire dans cette galère ?).

Jamais on ne sent la subtilité du maître tant elle est noyée sous des monceaux de chichis. « C’est un métier, M. Jourdain, de sentir et non de paraître » entend-on dans la bouche de Molière qui ressemble plus à un coureur de dots qu’à un futur génie.

Tiens, tiens... effectivement".

 

Ariane Beauvillard

 


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De nombreux artistes doivent faire la dure expérience de l'échec; l'épreuve de la traversée du désert durant laquelle, il semble que ses muses l'ont abandonné à sa triste condition de l'homme ordinaire, de l'humble mortel.

Bien souvent, cette épreuve est salutaire. Elle arrache l'homme à son orgueil, aux réussites faciles et aux sirènes d'un succés  furtif. Les vrais génies, comme les vrais saints -nuit mystique durant laquelle il semble que Dieu vous a oublié-doivent endurer cette épreuve -plus douloureuse que la pauvreté et la maladie- comme la preuve qu'une renaissance est possible et même nécessaire...

Molière a sans doute connu cette épreuve et Laurent Tirard a tenté de remplir ce "vide" historique selon une hypothèse qui n'est pas dénuée d'intérêt et qui s'avère,semble-t-il, pertinente.

 

 

 

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Molière eut fort à faire avec les femmes.

Fut-il un séducteur? On peut le croire. Mais il dépeint et se moque de certains milieux féminins de son époque -les Précieuses- avec un comique décapant.

A son époque, les femmes  paraissent enfermées dans des rôles précis et leur statut  semble être celui de "femmes soumises". Dans les faits, elles occupent une place qui n'est pas toujours et fatalement celle que l'on voudrait qu'elles occupent avec obéissance.Dans le théâtre de Molière, les femmes occupent la scène, toujours avec talent.

Les XVIIe et XVIIIe siècles (contrairement au XIXe) sont des périodes féminines à défaut d'être féministes. Que ce soit à la campagne ou à la ville, les hommes (pères, maris, frères) doivent compter avec la gent féminine. Car depuis la fin de l'Empire romain, où la femme était une éternelle immature, et depuis le Moyen-Âge occidental, le statut de la femme s'est profondément transformé en faveur d'une relative émancipation. La femme dans l'Occident chrétien est indéniablement bien mieux lotie que ses congénères dans l'Orient musulman.France-romain-duris-enlace-moliere.jpg

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

A l'époque de Molière, plus précisément à partir du  milieu du XVIIe siècle, un courant traverse les idées morales et  l'idéal littéraire:  un certain optimisme, imprégné de stoïcisme, s'estompe pour faire place à une lucidité sans désespoir.

De grands humanistes comme La Fontaine et Molière, ne pensent pas qu'on puisse beaucoup compter sur l'homme, ni beaucoup lui demander. Ce serait naïveté de croire qu'il est naturellement bon ou raisonnable. On est encore loin de Rousseau... 

Monsieur de La Fontaine traduit bien cet état de pensée quand il écrit en guise de conclusion à sa Fable Le Loup et l'Agneau:

 

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Et à la fin de la comédie, les maniaques mis en scène par Molière ne sont pas guéris de leur folie. Au lieu de rêver  d'héroïsme, pratiquons plutôt une sagesse modeste:


"La parfaite raison fuit toute extrémité, et veut que l'on soit sage avec sobriété".

 

Ces deux écrivains auraient-ils subi l'influence du courant libertin? Après des audaces durement réprimées, il devient en quelque sorte souterrain, mais demeure d'autant plus important et agissant. Molière et La Fontaine ont tenté, chacun selon son tempérament, une conciliation de la philosophie sceptique et d'un christianisme mondain, indulgent aux faiblesses humaines. Chez La Fontaine, le goût de l'indépendance, l'épicurisme moral et intellectuel finirent-ils par rejoindre le thème chrétien de la méditation dans la solitude (Le Juge arbitre, l'Hospitalier et le Solitaire). La vertu trop austère ne déplaît pas moins à Molière que la fausse dévotion. Tous deux sont plus sensibles aux travers ou aux vices des hommes qu'à leurs vertus; cependant, imprégnés aussi de philosophie aristotélicienne et chrétienne, ils ne peuvent croire que l'espèce humaine soit foncièrement corrompue...

Bref, Molière se veut un homme lucide: il doit donc "naviguer" entre l'austérité pessimiste des Jansénistes et l'enthousiasme optimiste et conquérant des humanistes du siècle précédent. Il bénéficie,en outre, de la bienveillance du roi. Heureusement...

 

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  Molière, ce pessimiste?

 

 


 

 

On parle souvent du comique de Molière; assez peu de sa mélancolie. A son époque, il s'agissait d'une "maladie orpheline"... Ce génie qui fit rire à la ville comme à la Cour, en peignant les vices de l'âme humaine, fut-il en réalité un pessimiste?

Goethe trouvait que les pièces de Molière "touchent à la tragédie" et Musset s'écriait à propos du Misanthrope: Quelle mâle gaieté, si triste et si profonde/ Que lorsqu'on vient d'en rire on devrait en pleurer.

On ne peut souscrire sans réserve à ces jugements teintés de romantisme.

Le comique de Molière fut-il au bord du tragique?

L'humeur satirique de Molière lui a inspiré des couplets amers contre "les moeurs du siècle". Il semble avoir exprimé directement sa colère contre les hypocrites dans Dom Juan  et dans le Misanthrope.Mais faut-il croire que les souffrances d'Arnolphe et d'Alceste sont des confidences douloureuses de Molière? Rien n'autorise cette interprétation. La gravité de son théâtre tiendrait plutôt à son réalisme.Molière est en fait plus pessimiste qu'il ne paraît:  il y a quelque chose de désolant dans cette humanité médiocre. Ses héros se rendent malheureux et se dégradent moralement, car le vice engendre le vice. Harpagon devient un louche usurier qui peu à peu vit dans un autre monde et fait souffrir toute sa famille; Orgon en vient à trahir les devoirs de l'amitié et à pratiquer la restriction mentale; M.Jourdain, Argan deviennent durs et dissimulés. Ce sont tous des inadaptés qui prennent le faux pour le vrai, agissent contre tout bon sens et tendent même vers la démence (monologue d'Harpagon dans l'Avare).

 

 

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L'égoïsme des maniaques fait le malheur de leur entourage où les femmes,( servantes, amantes, épouses, mères), puisent dans leur bon sens, leur fine intelligence et leur intuition pour se sauver et sauver  ceux qui leur sont chers.

Orgon s'écrie: " Et je verrais mourir frère, enfants, mère et femme/ Que je m'en soucierais autant que de cela".

Harpagon regarde ses enfants comme ses ennemis.

Argan, M.Jourdain, Orgon, Harpagon, Philaminte exigent des gendres conformes à leurs manies.

Nous avons le spectacle de familles au bord de la crise de nerf, désunies, menacées de ruine...

Quant à Dom Juan, en dépit de scènes comiques, c'est un drame.

 

 

 

 

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Molière et son génie comique nécessitaient de solides protections, car Molière savait moquer les hypocrites; mais à la ville comme à la Cour, le comique de Molière ne rime jamais avec vulgaire...

 

 

 

A la représentation, le comique passe au premier plan et nous fait oublier la gravité de ces peintures. L'art de Molière consiste justement à traiter de façon amusante des situations pénibles. Il évite d'assombrir ses comédies; si certains personnages sont odieux, ils sont tellement absurdes qu'au lieu d'indigner ils provoquent le rire; ils sont généralement escortés de valets chargés de détendre l'atmosphère aux moments les plus graves.

Le comique est le moyen d'expression naturel de Molière; son génie consiste à relier ses effets comiques à la vérité psychologique. Cette cohérence serait la preuve que Molière a réellement rencontré et observé ses personnages.  Et c'est  cette ambiance comique qui fait " l'unité d'atmosphère" de ses pièces. On trouve chez Molière tout ce qui peut susciter le rire, : comique de mots, de gestes, d'interruptions, de répétitions, quiproquos, mots de nature, situations, extravagance des idées et des actes. Mais le génie du comique de Molière réside aussi dans le fait qu'il n'est jamais vulgaire. Contrairement aux "comiques" d'aujourd'hui, il dénonce les travers de ses contemporains sans vulgarité et dans une langue française qui est à son apogée.

France grandturcCostume du Grand Turc dans le Bourgeois Gentilhomme.

 

  Les sources de ce comique ne sont pas toujours innovantes. Il vient souvent de la comédie italienne ("comedia del'arte"), comme le contraste. Molière aime opposer ses personnages par le caractère, le vocabulaire, les moeurs liés à la condition sociale; n'oublions pas que nous sommes dans une société réglée par les ordres: le clergé, la noblesse,le Tiers-état. Il n'existe pas vraiment de "luttes des classes" selon le modèle marxiste, mais une sourde concurrence: le bourgeois envie et jalouse le bourgeois, le paysan jalouse mais a besoin du bourgeois, le laquais (qui est souvent un paysan déraciné) sait, sans y paraître, beaucoup au sujet de ses maîtres dont il perce, par ses fonctions, l'intimité. Par derrière ou en face,il les singe, comme pour alléger sa servitude... Il aime aussi opposer ses personnages à eux-mêmes; de là l'impression de déséquilibre, d'inadaptation où  le grand philosophe Bergson voyait l'essence même du rire.

Dans les scènes à renversement, c'est un revirement de situation qui provoque le contraste comique.

  

 

 

 

 


 


 

 

Mais le plus raffiné des comiques est le comique de parodie. Il fait participer le spectateur à une sorte de jeu intellectuel: c'est à lui de découvrir, (avec quelle délectation !), les intentions satiriques de l'auteur. parodie des moeurs dans les Précieuses ridicules, Le Misanthrope, parodie du jargon médical, parodie du théâtre tragique. Au comique de parodie se rattache le recours au langage indirect: critique du sonnet d'oronte par Alceste, échange de politesses empoisonnées entre Célimène et Arsinoé, déclaration déguisée de Cléante à Mariane en présence d'Harpagon.
Les chefs-d'oeuvre de ce langage à double sens sont peut-être les tirades amoureuses  en style dévot de Tartuffe et le langage d'Elmire adressé à la fois à  Tartuffe et à Orgon. C'est par ce comique plus relevé, par ce "rire dans l'âme", que Molière voulait plaire aux "honnêtes gens". Sans tomber dans le drame bourgeois qui aboutira à la pièce sérieuse (donc comique mais finalement ennuyeuse) moderne, il tendait vers l'idéal d'un comique épuré et de scènes semblables à des tranches de conversation, pleines dde vie et de naturel. Il l'a réalisé en partie dans l'Ecole des Femmes, Dom Juan, Tartuffe, Les Femmes Savantes. Il l'a réalisé totalement dans le Misanthrope, où il parvient à éviter toute vulgarité et à rester néammoins comique à peu prés jusqu'au bout.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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Il y a dans ce regard une douceur qui ne cache pas l'acuité...

 

 

 

 


 

 

 

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Romain Duris: une gueule et du talent...

 

 


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31 décembre 2011 6 31 /12 /décembre /2011 12:02

 

 

THE UNTOUCHABLES

 


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Chicago, début des années 30...

 

 

 

 

 

Pour coincer Al Capone, caïd intouchable dans Chicago, eliot Ness s'adjoint les services d'une poignée d'hommes intègres.Eliot, Jimmy, Georges et Oscar parviennent à décider l'un des lieutenants d'Al Capone à témoigner contre son chef.

 

 

 

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Un scénario captivant, une superbe interprétation (Robert De Niro est un Al Capone plus vrai que nature) et la maîtrise du grand Brian De Palma.
Au sein d'un ensemble constamment tendu et vibrant -où l'hémoglobine coule abondamment-, plusieurs scènes sont restées célèbres comme la mort de Malone, la police montée canadienne, le landau qui dévale les escaliers -façon Potemkine- et surtout, l'arrestation du comptable dans la gare. Cette scène d'anthologie, modèle de mise en scène et de montage est une citation du Cuirassé Potemkine digne de son prestigieux modèles.
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À Chicago en 1930, le truand Al Capone règne en maître sur la ville alors en pleine Prohibition. Le policier Eliot Ness constitue une équipe de quelques hommes intègres et désireux comme lui de faire respecter la loi.

 


 

 

Le script de David mamet est basé sur The Untouchables, les mémoires d'Eliot Ness, publiées en 1957, avec l'aide d'Oscar Fraley. L’œuvre avait déjà été adapté dans la série Les Incorruptibles à la fin des années 50.

 

Brian De Palma avait déjà dirigé Robert De Niro dans Greetings (1968), The Wedding Party (1969) et Hi, Mom! (1970). Il voulait absolument le comédien pour le rôle de Capone. Mais à cette période, De Niro s'est plus ou moins éloigné du cinéma et se concentre sur le théâtre.

Les producteurs poussent alors le réalisateur à choisir un autre comédien. Bob Hoskins est alors engagé. Mais De Niro accepte finalement le rôle et réussit à convaincre les producteurs en se grimant en Capone. Il remplace alors Bob Hoskins, qui reçoit un dédommagement de 200 000 dollars  .

Le comédien s’implique ensuite de tout cœur dans son personnage : il se rend en Italie, se nourrit uniquement de plats locaux, prend 12 kilos en cinq semaines, ne fait appel à aucun maquillage, se rase le front pour lui ressembler, retrouve les tailleurs de costumes de Capone et leur commande des vêtements sur mesure identiques à ceux du truand  .

Ce film révèle au grand public Andy Garcia et est considéré comme le premier blockbuster de Kevin Costner. Le rôle d'Eliot Ness avait pourtant été proposé d'abord à Mel Gibson, Harrison Ford et William Hurt, qui ont refusé  .


Le personnage d'Oscar Wallace, interprété par Charles Martin Smith, est librement inspiré par celui de frank J. Wilson , un ex-comptable devenu agent du service des impôts, qui fut un élément décisif dans la chute de Capone en parvenant à le condamner pour fraude fiscale.

 

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Récompenses :


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Nominations :


 

 

 

La scène du landau.

 

 

 

 

 

 

 

De Palma a bien traduit cinématographiquement le potentiel littéraire du scénario, en imprimant son style: précis, violent, sophistiqué et intensément dramatique.

Il utilise tout au long du film une alternance de plongées / contre-plongées. Ce système traduit habituellement un rapport bien-mal ou dominant-dominé mais le cinéaste s'amuse à l'inverser pour brouiller notre vision des personnages. Il utilise également un système particulier nommé demi-bonnette(ou double focale), qui permet de faire le point sur deux endroits de l'image en même temps, en général à l'arrière et au premier plan.

Ici De Palma l'utilise dans des plans qui permettent de voir l'expression de deux personnages qui s'affrontent dans les scènes de choix décisifs (exemple Malone et Ness à l'église).

Une analyse figurative du film peut aussi s'intéresser à l'utilisation que De Palma fait du sang et de la couleur rouge qui va de la simple trace à la flaque.

 


USA-Incorruptibles-Costner-plaque.jpg Kevin Costner est Eliot Ness.
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 Chicago, dans les années 20 et 30, au temps de la prohibition : l’interdiction de vendre et de consommer de l’alcool aux Etats-Unis. La ville est contrôlée par le gangster Al Capone, dit Scarface, qui dirige le trafic d’alcool, le jeu et la prostitution. Un agent fédéral de la brigade financière, Eliot Ness, est chargé de faire respecter la loi et de l’arrêter. La première descente menée dans un entrepôt de la mafia est un fiasco, mais Ness recrute trois hommes intègres. L’équipe est bientôt surnommée par la presse,

les « incorruptibles ».

Ce film sorti en 1987 et mené de main de maître, s’inspire de faits réels. Robert de Niro n’hésitera pas à grossir de quinze kilos pour incarner Al Capone.

En janvier 1919, le 18ème amendement à la Constitution instaure la prohibition aux États-Unis.Le résultat ne se fait pas attendre: marché noir, contrebande, corruption jusqu'aux sommets de la hiérarchie policière.

 

Produit de consommation courante, l'alcool n'est plus disponible que par le biais de la contrebande. De puissants réseaux mafieux voient alors le jour. A Chicago, le plus important d'entre eux est dirigé par Al Capone. A 30 ans, sa fortune personnelle est considérable et il règne sur un empire du crime. Rien ne semble pouvoir l'inquiéter. Ni ses anciens rivaux, assassinés ou très affaiblis, ni les représentants de l'ordre, corrompus ou dépourvus de moyens pour lutter contre lui.

 

 

 

 

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L'avenir s'annonce radieux ! Mais Capone ignore qu'Eliot Ness et ses incorruptibles commencent à fourbir leurs armes contre lui... En octobre 1932, le verdict tombe : condamné pour fraude fiscale, Al Capone devra purger onze années de prison et payer 80 000 dollars d'amendes. Dans l'imaginaire collectif, Eliot Ness est l'homme qui, à la tête des incorruptibles, a permis la chute d'Al Capone.

 

Comme leurs noms, leurs destins sont inséparables.

 

Liés dans l'Histoire, Hélène Harter nous montre qu'ils sont aussi le miroir de l'Amérique du tournant des années 1930 et des forces contradictoires qui la traversent.

Les incorruptibles contre Al Capone.

Hélène Harter

 

 

 

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PROHIBITION 1919-1933

Par le XVIIIe amendement à la Constitution, ratifié en janvier 1919, la prohibition est instaurée aux États-Unis. Désormais, il est interdit de fabriquer, de vendre et d'acheter sur le territoire fédéral toutes les boissons qui contiennent plus de 0,5 p. 100 d'alcool.

La campagne prohibitionniste remonte au milieu du xixe siècle, lorsque l'État du Massachusetts décida que le rhum ne devait être vendu qu'en grosses quantités pour éviter que le peuple ne s'enivre. De cette époque date la création du Prohibition Party (1869), le plus ancien des petits partis américains en activité de nos jours, qui lors des élections présidentielles de 1888 et 1892 obtint jusqu'à 2,2  p. 100 des suffrages ; depuis 1900, il n'a plus guère d'activité qu'à l'échelon local.

 

 

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Mais c'est au début du xxe siècle que les prohibitionnistes deviennent particulièrement actifs.

Ce sont alors des progressistes, des ligues chrétiennes pour la tempérance : combattre l'ivrognerie, lutter contre les injustices sociales et la corruption politique, voilà leur programme. Une Amérique saine reviendra, croient-ils, à ses traditions démocratiques : si les influences étrangères sont néfastes, il conviendra de limiter strictement l'immigration, qui porte en elle les germes de destruction de la société américaine.

 

Plusieurs États, notamment dans l'Ouest, suivent ces conseils avant 1914 et interdisent, à l'intérieur de leurs frontières, la consommation d'alcool. Pour que la mesure soit efficace, il faut que l'Union passe tout entière dans le camp de la prohibition. L'amendement à la Constitution offre la solution légale : son adoption est favorisée par l'esprit né de la guerre. Une évolution, toutefois, se manifeste. Les prohibitionnistes sont, après 1920, plus ruraux que citadins, plus sudistes que nordistes et se regroupent dans l'Anti-Saloon League. S'ils veulent toujours rendre la société américaine plus morale, ils soulignent en même temps que l'interdiction fera augmenter la productivité.

 

 

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Prohibition raid 1927.

 

 

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Mais l'alcool coule à flots dans les tripots clandestins contrôlés par les mafias italiennes et irlandaises.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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                                                                                                                                                                                                            Croquis de Donald Denton (1929) " smoking on a sofa".

 

 

 

 

 

 

 

 

Al Capone: le mafieux le plus célèbre de l'Histoire.

 

 

 

 

 

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Ness est né à Chicago de parents protestants norvégiens, Peter et Emma Ness.

 

 

 

Il fit ses études à l'Université de Chicago, dont il sortit en 1925 diplômé de droit et d'économie. Ness commença sa carrière comme enquêteur pour la Retail Credit Co. (compagnie de crédit) d'Atlanta. Nommé dans le secteur de Chicago, il fut chargé d'un travail de second plan. Il retourna alors à l'Université, où il se consacra à la criminologie.
En 1926, son beau-frère, Alexander Jamie, un agent du FBI, réussit à le convaincre d'entrer dans les forces de l'ordre. En 1927, Eliot Ness rejoignit donc le département du Trésor, travaillant conjointement avec le bureau de la prohibition de Chicago.

À la suite de l'élection de Herbert Hoover comme président, Andrew Mellon fut chargé de faire tomber Al Capone. Le gouvernement fédéral envisageait le problème sous deux angles : la lutte contre l'évasion fiscale, et le respect du Volstead Act (interdiction de vendre de l'alcool). Ness fut chargé de ce dernier aspect, en devant démanteler les distilleries clandestines et les routes d'approvisionnement de Capone.

Permis d'Eliot Ness.


Face à la corruption des forces de l'ordre, Ness monta un groupe d'hommes de confiance issu des services du Trésor. D'abord de cinquante, celui-ci fut réduit à quinze, puis à neuf membres. Les raids contre les distilleries et les brasseries commencèrent immédiatement; en six mois, Ness déclara avoir détruit pour 1 million de dollars de produits illégaux.

Une tentative de Capone pour acheter les agents de Ness fut utilisée par celui-ci à des fins de publicité, la presse faisant ses titres de ces Untouchables (incorruptibles). Il fut alors la cible de nombreuses tentatives de meurtre, l'un de ses amis étant même abattu.

Les efforts de son équipe eurent une sérieuse influence sur le déclin des affaires de Capone, bien que ce furent ses fraudes fiscales qui le trahirent. Dans un certain nombre de grands procès fédéraux en 1931, Capone fut accusé de vingt-deux cas de fraudes fiscales et d'environ cinq mille violations du Volstead Act. Le 17 octobre 1931, il fut condamné à 11 années de prison, qu'il purgea dès 1932, à la suite de son appel.


Ness fut promu chef du bureau de la prohibition de l'Ohio en 1934. En 1935, avec la fin de la prohibition, il devint directeur de la sécurité publique de Cleveland. Il y mena une campagne de lutte contre la corruption dans les services de police et de secours, ainsi que contre le jeu. Il échoua cependant à arrêter le "Cleveland Torso Murderer", tueur en série qui fit trembler la région au milieu des années trente, ce qui lui fut vivement reproché par le député Martin L. Sweendy , adversaire du maire de Cleveland (Ness suspecta fortement le cousin de ce député, le Dr. Francis E. Sweeney, d'être le tueur en série mais ne réussit pas à réunir les preuves nécessaires) et contribua à la fin d'une carrière honorable à Cleveland.

 

Il dut quitter ses fonctions en 1942, à la suite d'un accident de circulation dû à... l'alcool  .

 

 


 

Ness partit alors pour Washington DC où il travailla pour le gouvernement fédéral. Il démissionna en 1944 pour devenir président d'une société de sécurité, Diebold Corporation, basée dans l'Ohio.

Il tenta sans succès de devenir maire de Cleveland en 1947, et dut quitter ses fonctions à Diebold la même année. Il en vint finalement à travailler pour la North Ridge Industrial, à Coudersport en Pennsylvanie. Son livre, The Untouchables  , fut publié en 1957, peu après son décès, dû à une crise cardiaque.

 

Eliot Ness fut marié trois fois, divorcé deux, il eut un enfant, par adoption. Il est enterré dans le cimetière de Lakeview à cleveland.

 

 


Eliot Ness dans la culture populaire:

 

 

 

 

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Portrait avec autographe d'Eliot Ness.

 

 

 


De nombreuses adaptations de sa vie ont fleuri, tant au cinéma qu'à la télévision, centrées sur ses activités durant la prohibition.

 

 

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La première célèbre fut la série télévisée Les Incorruptibles avec Robert Stack.

 


Le film de Brian De Palma, The Untouchables, avec Kevin Costner dans le rôle de Ness, fut même oscarisé.


Eliot Ness fut également le personnage du Torso de Brian Michael Bendis. Il a aussi inspiré le personnage de Rex Banner dans l'épisode Homer, le baron de la bière (saison 8) des Simpson.

 

Ness est le sujet d’une série de nouvelles par Max Allan Collins et apparaît également comme petit rôle dans la nouvelle de Collins « La route de la perdition ».

 

Dr.Dre évoque Eliot Ness dans la chanson California Love avec 2 Pac, ainsi que Lil' Wayne dans son rap Too comfortable, Lauryn Hill des Fugees le souligne également dans le morceau Ready or Not?, Eric B & Rakim dans leur rap Juice et Mc Solar dans le morceau Gangster moderne ainsi que les Svinkels dans la chanson « Prohibition » et Fitzroy dans « En Manque de héros ».

Le groupe de rap " Ministère A.M.E.R. " et notamment Stomy Bugsy le cite dans le titre Les rates aiment les lascars dans les années 1990.

 

 

 


 


Il y a également un magasin de sandwich dans le Fort Collins, Colorado, juste en dehors du campus de l’Université du Colorado nommé « Eliot Mess » en son honneur.


Un jeu vidéo pour le parc de divertissements de Nintendo basé sur le film « The Untouchables- Les Incorruptibles » a été commercialisé en 1990 sous le même nom. Il fait également une apparition comme personnages non jouable dans le jeu vidéo Shadow Hearts : From the New World.

 

 

 

 



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